Take risks! Eröffnung der Ausstellung Art Vital in Ljubljana

Liebe Freundinnen von Welt,

ich nehme Euch mit in die Cukrarna Gallery in Ljubljana. Vor der alten Zuckerfabrik am Ufer der Ljubljanica ein Auflauf, wie man ihn eher von Premieren kennt als von Galerien.

Davor die erste Re-Performance: Zwei Menschen tragen in Eimern Steine hin und her.

Ich bin ein wenig erleichtert, dass es keine Re-Performance ihrer Arbeit „Imponderabilia“ gibt: Da mussten sich die Besucher einer Galerie 1977 in Bologna durch die kleine Lücke zwischen Marina Abramović und Ulay drängen, die sich in der Tür nackt gegenüber standen. Wem hätte ich mich zugewendet – dem Mann oder der Frau?

Drinnen in der riesigen, hohen Halle, sammelt sich Energie. Stimmen, Schritte, ein Wiedersehen der Ljubljaner High Society. Warten bei Häppchen und Drinks. Es ist die Eröffnung von ART VITAL – 12 Jahre Ulay / Marina Abramović – über die ikonische Zusammenarbeit von Marina Abramović (1946, Belgrad) und Ulay – Frank Uwe Laysiepen (1943, Solingen – 2020, Ljubljana).

Marina Abramović, 79 Jahre alt, ist eine meiner persönlichen Heldinnen. Ein rares Vorbild älterer Frauen. Bei der Eröffnung habe ich viel von ihr gelernt. Das möchte ich mit Euch teilen.

Eure Kirsten, Freundin von Welt

Gemeinsam schleppen

Re-Performance der Arbeit Work Relation von 1978

Work Relation Re-Performance

Zeit wird physisch erfahrbar

Ein Datum mit Bedeutung: 30. November, der Geburtstag von Marina Abramović und Ulay

Es ist der 30. November 2025. Geburtstag von Marina Abramović. Geburtstag von Ulay – Frank Uwe Laysiepen (1943–2020). Und der Tag ihres Kennenlernens vor fünfzig Jahren. Biographie, Liebe und Kunst, hier kommt alles zusammen.

Marina Abramović steht auf der Bühne. Präsenz ist ein zu kleines Wort dafür. Sie lacht, sie erzählt, sie beobachtet das Publikum. Irgendwann wird eine Torte hereingetragen. Ohne Kerzen. Sie schaut darauf, schaut ins Publikum und fragt trocken:

„What is going to happen now? Where are the candles?“

Dann singen wir alle Happy Birthday. Vormittags. In einer ehemaligen Zuckerfabrik. Für eine Frau, deren Lebenswerk davon handelt, da zu sein. Wirklich da.

In den Reden geht es um Verletzungen nach Performances, die versorgt werden mussten. Um zwei Menschen, die beschlossen haben, eine gemeinsame Energie zu werden. Ulay nannte Marina einmal „Duracell“. Sie nannten sich gegenseitig „Superglue“. Nähe war war Methode.

Abramović sagt einen Satz, der hängen bleibt:

„Energy and performance is everything. We believed in this form of art even when only twenty people came.“

Ich stehe da und merke: Diese Eröffnung eine Vergegenwärtigung. Eine Erinnerung daran, dass Liebe und Arbeit, Beziehung und Kunst, Durchhalten und Vertrauen zusammengehören.

Der Van

kein fester Wohnort

Manifest Art Vital

1977 notiert

Weltoffenheit: Die Welt als Atelier

1977 schreiben Marina Abramović und Ulay ihr Manifest ART VITAL. Eine Art Gebrauchsanweisung fürs Leben. Einer der Sätze: „permanente Bewegung“. Ein anderer: „kein fester Wohnort“.

„Art Vital means to have courage. Take risks. To take your entire planet as a studio.“

Sie ziehen los. Ein Van wird Zuhause, Atelier, Rückzugsort. Europa wird zum Arbeitsraum. Performances entstehen unterwegs, zwischen Ankommen und Weiterfahren. Der Hund immer dabei. Nähe auch.

Auf Fotografien sieht man sie in diesem Wagen, auf Parkplätzen, an Straßenrändern, irgendwo zwischen Aufbruch und Erschöpfung. Man spürt: Das hier ist kein Aussteigertraum. Das ist Konzentration.

Liebe ist in diesem Modell kein Rückzugsort. Sie liegt mitten auf der Strecke. Abramović und Ulay arbeiten Seite an Seite, schlafen nebeneinander, denken gemeinsam, zweifeln gemeinsam. Beziehung als Dauerzustand.

„Performance is the most difficult art form.“

Performance verlangt alles: Körper, Zeit, Energie. Und sie verlangt Beziehung. Vertrauen. Die Bereitschaft, sich wirklich zu zeigen.

Was mich an ART VITAL fasziniert: Liebe erscheint hier als etwas Aktives. Als tägliche Handlung. Als Übung in Präsenz.

Ich bleibe lange vor den Tagebuchseiten stehen. Handschrift, Skizzen, Notizen. Kleine Sätze, große Entscheidungen. Und ich denke: Wie mutig es ist, das Leben so zu führen. Ohne Puffer. Mit offenem Blick.

Und irgendwo zwischen diesen Dokumenten wird klar: ART VITAL ist eine Einladung, Nähe neu zu denken. Als etwas, das Energie freisetzt.

Art is easy

Oder etwa nicht?

Verbunden

Zwei Menschen, ein Zopf: Klare Frisurempfehlung

Durchhalten: Arbeiten, wenn niemand klatscht

„We believed in this form of art even when only twenty people came.“

Zwanzig. Keine Tausend. Kein Hype. Kein Algorithmus.

Abramović spricht offen über diese frühen Jahre. Über Performances ohne Resonanz. Über Arbeit ohne Applaus. Und über die Entscheidung, trotzdem weiterzumachen.

Ich kenne dieses Gefühl. Vielleicht kennt Ihr es auch. Dieses lange Arbeiten im Stillen. Schreiben, denken, aufbauen – während andere scheinbar mühelos sichtbar sind.

Dann kommt Kassel. Und mit Kassel ein Wendepunkt.

Eine Einladung zur documenta führt in eine Grauzone. Ein Missverständnis. Kein offizieller Platz im Programm. Kein Raum. Keine Bühne. Ulay reagiert praktisch. Er spricht mit einem Supermarktleiter, organisiert darüber einen Raum in einer Tiefgarage. Dort findet die Performance statt.

Abramović erzählt davon mit trockenem Humor:

„More than a thousand people came. Half of the art world. The other half was looking for their car.“

Gelächter im Raum. Und ich verstehe zugleich: Hier kippt etwas. Aus Durchhalten wird Sichtbarkeit. Aus Beharrlichkeit wird Öffentlichkeit. Nicht geplant, sondern gemacht.

Marina Abramović sagt dazu einen Satz, den man sich einrahmen sollte:
„You can only make your own destination if you work, work, work.“

Nicht glamourös. Aber ehrlich. Und tröstlich.

Abramović spricht davon, nur das zu tun, was man absolut liebt – mit dem Menschen, den man absolut liebt.

Cukrarna

Eröffnung von Art Vital im Foyer

Schuhwerk

Durchalten auf HighHeels? Nichts für mich!

Vertrauen: Kontrolle abgeben

Einer der stärksten Momente der Ausstellung ist unsichtbar. Abramović erzählt, dass sie den Kuratorinnen keinerlei Kontrolle über die Auswahl der Materialien gegeben hat. Tagebücher, Briefe, innere Räume – alles offen. Rund sechzig Prozent der Exponate waren zuvor öffentlich nicht zugänglich.

„I did not want to have any control over what they would choose.“

Die Kuratorinnen hatten freien Zugriff. Auf alles. Auf Material, das nie für Öffentlichkeit gedacht war. Auf Gedanken, Zweifel, Prozesse. Abramović hat zugesehen. Und zugelassen.

Für eine Frau, die jahrzehntelang ihren Körper, ihre Zeit, ihre Energie kontrolliert hat, ist das ein radikaler Schritt.

Marina Abramović formuliert das während der Eröffnung offen:

„I have never before had an exhibition that contained so much documentation, so much exposure of my inner self.“

Ich habe mich gefragt: Wann habe ich zuletzt wirklich Kontrolle abgegeben? Nicht halb. Nicht scheinbar. Sondern echt.

Vielleicht ist das eine unserer großen Aufgaben mit zunehmender Erfahrung: zu erkennen, dass Vertrauen kein Risiko ist, sondern eine Entlastung.

Vielleicht liegt genau hier eine der leisesten, stärksten Lektionen dieser Ausstellung:
Vertrauen erweitert den Blick. Es nimmt Last von den Schultern. Und es schafft Platz – für Überraschung, für neue Lesarten, für Bewegung.

Ich gehe weiter mit dem Gefühl, dass Kontrolle ein Werkzeug ist. Und Vertrauen eine Entscheidung.

„I did not want to have any control over what they would choose. For me the show looks new.“

Marina Abramović

Blick ins Archiv

Sehen, lesen, verstehen – Material, das noch nie gezeigt wurde

Birthday Performances

Die Kunst, den Geburtstag mit einer Performance zu feiern

Sichtbarkeit: Applaus einfordern

Marina Abramović steht auf der Bühne. Die Geburtstagstorte ist da. Sie lacht, fragt: Wo sind die Kerzen“, nimmt die Situation an sich. Und dann sagt sie, klar und ohne jede Umständlichkeit:

„Applaus!“

Als Aufforderung.

Wir reagieren sofort. Klatschen. Lachen. Und ich merke, wie viel in diesem einen Wort steckt. Wie ungewohnt es ist, dass eine Frau Anerkennung einfordert, ganz selbstverständlich.
Applaus einfordern – das widerspricht vielem, was wir gelernt haben. Bescheiden bleiben. Leistung relativieren. Sichtbarkeit lieber anderen überlassen. Anerkennung hoffen, nicht benennen.

Abramović macht es anders. Sie steht da, nach Jahrzehnten Arbeit, nach Performances, die Körper, Zeit und Energie gefordert haben – und sie nimmt sich diesen Raum.

Mich trifft das. Weil es so klar ist. Und weil es nichts mit Eitelkeit zu tun hat. Sondern mit Verantwortung gegenüber der eigenen Arbeit.

Ich denke an all die Situationen, in denen wir still bleiben, obwohl etwas Anerkennung verdient hätte. An die Momente, in denen wir hoffen, gesehen zu werden, ohne uns zu zeigen.

Dieser eine Satz von Abramović wirkt nach. Er sagt: Sichtbarkeit ist kein Zufall. Sie ist eine Entscheidung.

Und vielleicht dürfen wir uns öfter erlauben, genau das zu tun:
den Moment benennen.
den Raum einnehmen.
Applaus einfordern.

Nähe, Risiko, Vertrauen

„Performance is all about transformation of energy.“

Viele ihrer Arbeiten – besonders mit Ulay – kreisen um Nähe. Um Vertrauen. Um Risiko.

Rest Energy entsteht 1980. Marina Abramović und Ulay stehen sich gegenüber. Zwischen ihnen ein Bogen. Ulay hält den Pfeil, Marina den Bogen. Die Sehne ist gespannt. Die Pfeilspitze zeigt direkt auf ihr Herz.
Kein Ausweichen. Keine Bewegung. Ihre Körper lehnen sich leicht zurück, nur so weit, dass die Spannung hält. Mikrofone zeichnen ihren Herzschlag auf, ihren Atem, das Knarren der Sehne. Alles wird hörbar. Jede minimale Verschiebung könnte das Gleichgewicht kippen.

Was diese Arbeit so radikal macht, ist ihre Klarheit. Hier gibt es kein Symbol, das man entschlüsseln muss. Vertrauen ist konkret. Verantwortung auch. Ulay hält Marinas Leben buchstäblich in den Händen. Marina überlässt sich ihm – und bleibt gleichzeitig vollkommen präsent.

Vertrauen ist nichts Romantisches. Es ist eine Entscheidung, sich verletzlich zu machen. Immer wieder.

In Beziehungen – ob Liebe, Freundschaft oder Partnerschaft – gibt es solche Momente. Situationen, in denen jemand den Bogen hält und jemand anderes den Pfeil. Situationen, in denen es kein Netz gibt, sondern nur gegenseitige Verantwortung.

Und ja, das ist mutig. Aber auch lebendig.

Rest Energy

Radikales Vertrauen bei der Performance

Schreie und Ohrfeigen

Marina Abramović und Ulay, nicht immer romantisch

Alter: Freiheit statt Rückzug

Kurz vor dem Ende der Eröffnung, mit Blick auf ihre Geburtstagstorte, sagt Marina Abramović, dass sie im nächsten Jahr 80 wird. Und dann diesen Satz:

„Eighty is the new forty.“

Abramović steht für ein Verständnis von Alter, das nicht in den Rückzug führt, sondern in eine neue Form von Freiheit. Keine Verjüngungsgeste, kein Wettlauf mit früheren Versionen des eigenen Körpers. Stattdessen Klarheit. Präsenz. Die Bereitschaft, Raum einzunehmen.

In Art Vital wird sichtbar, wie sehr diese Freiheit mit Erfahrung zu tun hat. Mit Jahren des Dranbleibens. Mit der Entscheidung, sich nicht zu verkleinern. Alter erscheint hier als Verdichtung: weniger Ablenkung, mehr Essenz.

Mich trifft das, weil so viele Erzählungen über Frauen im Alter von Verlust handeln. Von Rückzug, von leiser werden. Abramović erzählt etwas anderes. Sie zeigt: Erfahrung ist kein Ballast. Sie ist Kapital.

Und dann, fast zum Schluss, erlaubt sie sich genau das, was man ihr vielleicht am wenigsten zutraut: Selbstironie. Sie erzählt einen Witz. Einen sehr trockenen. Einen sehr eigenen.

„How many performance artists does it take to change a light bulb?
I don’t know. I was there for six hours.“

Gelächter. Und mit diesem Lachen fällt jede Schwere ab.

Vielleicht liegt genau darin die größte Freiheit dieses Alters: sich ernst zu nehmen, ohne sich wichtig zu machen. Klar zu sein. Und dabei leicht zu bleiben.

Was bleibt

Marina Abramović hat mir gezeigt, dass Weltoffenheit eine tägliche Entscheidung ist.
Dass Durchhalten wichtig ist.
Dass Vertrauen Arbeit braucht, aber Last nimmt.
Dass Sichtbarkeit nichts mit Eitelkeit zu tun hat, sondern mit Verantwortung.
Dass wir Applaus einfordern dürfen.
Und dass Alter kein Rand ist, sondern ein Raum.

Ich bin gegangen mit dem Gedanken, dass vieles möglich bleibt, wenn man sich selbst ernst nimmt. Und gleichzeitig leicht. Die Selbstironie nicht vergessen!

Was ich kann, das könnt Ihr auch.
Versprochen.

Applaus einfordern!

Marina Abramović und Lena Pislak (Ulay Foundation)

„80 ist das neue 40!“

Marina Abramović und Lena Pislak (Ulay Foundation)

Slowenien hat mehr zu bieten. Wer die Reise verlängert, fährt nordwärts nach Radovljica, eine der am besten erhaltenen Altstädte Sloweniens, unterschätzt und sehr süß. Oder südwärts nach Lipica, wo die Lipizzaner seit Jahrhunderten das tun, was Abramović über Körper und Disziplin sagt: üben, üben, üben.

Kirsten Rick

Neueste Beiträge:

• Schnucki, wo bist du? Zwei Tage wandern auf dem Heidschnuckenweg in der Nordheide
• Streetart in Nîmes: Große und kleine Bilder in Gambetta
• Friedenfels, das Naturerlebnisdorf
• Ein Wochenende in Biarritz: Atlantik, Adel, Artischocken
• Nîmes Tipps: Römer, Krokodile und die beste Stockfischcreme Frankreichs

• E-Mail 
• teilen 
• teilen 
• merken 

Der Beitrag Art Vital: Was ich von Marina Abramović gelernt habe erschien zuerst auf Freundin von Welt.

Hamburges ältestes öffentlich zugängliches Kunstwerk: Der Löwenkopf-Türzieher von St. Petri ist für mich der wahre König der Löwen!

Liebe Freundinnen von Welt,

Hamburg ist eine Stadt der großen Gesten, von Speicherstadt bis Elbphilharmonie. Aber kennt Ihr schon Hamburgs ältestes öffentlich zugängliches Kunstwerk? Den Löwenkopf-Türzieher, der das Hauptportal von St. Petri bewacht? Er ist fast ein wenig unscheinbar. Manchmal, wenn ich auf dem Weg zur Mönckebergstraße dort vorbeikomme, gehe ich hin und tätschle ihm die Nase. Dem wahren König der Löwen.

Eure Kirsten, Freundin von Welt

Der hamburger Löwe, der seit 1342 die Klappe hält

Er ist alt, er ist aus Bronze, und er weiß mehr als alle Stadtführer zusammen: der linke Türzieher an St. Petri. 1342 entstand er in der Werkstatt des Lübecker Meisters Hans Apengeter, als Hamburg noch ein aufstrebendes Nest an der Elbe war. Apengeter war im gesamten norddeutschen Raum für seine Bronzearbeiten an Kirchen bekannt.

Ein Löwe. Kein Kätzchen, kein schüchterner Hund. Ein Löwe. Kraft, Schutz und Einigkeit – all das sollte dieses Gesicht ausstrahlen.

Die Umschrift auf dem Kunstwerk verweist auf die Grundsteinlegung des Kirchturms im selben Jahr. Der Löwenkopf diente nicht nur als Türklopfer, sondern symbolisierte Macht, Schutz und Einigkeit.

Dass er so viele Jahrhunderte überlebt hat – Brände, Kriege, Modewellen –, liegt vermutlich daran, dass er von Anfang an sehr beschäftigt war. Wer immer einen Vertrag abschließen wollte, legte seine Hand auf den Ring. Beide Seiten mussten anfassen. Der Deal war besiegelt.

Der Älteste

Der (linke) Löwenkopf-Türzieher von St. Petri

Die Älteste

St. Petri ist die älteste Pfarrkirche Hamburgs

Berühren auf eigene Gefahr

Meine Hand legt sich auf den kalten Bronze-Ring. Kurz überlege ich, was wohl passiert wäre, wenn ich ihn im Mittelalter angefasst hätte. Vermutlich hätte ich mir aus Versehen ein halbes Fischerdorf angelacht.
Heute passiert erst mal gar nichts. Außer, dass ich kurz das Gewicht der Jahrhunderte spüre. Und eine gewisse raue Wärme – als hätte der Löwe über die Jahrhunderte das Vertrauen der Hamburger in sich aufgesogen.

Hamburgs älteste Kirche: St. Petri

Wenn Ihr schon mal da seid: St. Petri ist die älteste noch existierende Kirche der Stadt. Um 1035 als Holzkapelle gegründet. Um 1310/20 begann der Bau der dreischiffigen gotischen Hallenkirche, zu deren Ausstattung der Löwenkopf-Türzieher gehört.

Beim Großen Brand am 7. Mai 1842 wurde St. Petri fast vollständig zerstört. Nur einige Grundmauern blieben erhalten. Glücklicherweise konnten die meisten Kunstwerke, darunter auch der Löwenkopf, gerettet werden.

Auf den Tag genau sieben Jahre später wurde die von den beiden Architekten Alexis de Cháteauneuf und Hermann Felsenfeldt auf dem alten Grundriss errichtete Hallenkirche feierlich eingeweiht.

Im Gegensatz zu vielen anderen Hamburger Kirchen überstand St. Petri den Zweiten Weltkrieg mit nur geringen Schäden. Selbst die Glocken blieben erhalten. Und natürlich der Löwenkopf.

Der rechte Löwe: Der jüngere Bruder

Falls Ihr nun denkt: „Ach, da ist ja noch ein Löwenkopf!“ – stimmt. Rechts am Portal gibt es einen zweiten Türzieher. Aber der ist eine Nachbildung von 1842.

Nicht verwechseln

Die Umschrift verrät: dieser Löwe ist von 1849

Der jüngere Bruder

auf dem rechten Türflügel – mit längerer Nase

Und sonst so? Wo Löwen in Hamburg noch brüllen

Übrigens: Der Löwenkopf von St. Petri ist nicht der einzige Löwe in Hamburg.

• Das Rathaus nebenan wird von steinernen Löwen bewacht, Symbol für Macht und Stärke.
• Im Museum für Kunst und Gewerbe gibt es ein mittelalterliches Aquamanile in Löwenform – eine Art Gießkanne für fromme Hände.
• In der Kunsthalle hängt sogar eine Zeichnung von Albrecht Dürer: ein nachdenklicher Löwe aus dem Jahr 1495, der wohl ahnte, dass er einmal an einer Hamburger Wand enden würde.
• Und dann gibt es natürlich noch das Musical „König der Löwen“.

Hamburg liebt seine Löwen – aber keiner von ihnen hat so viel erlebt und so viele Hände gespürt wie der alte Türzieher von St. Petri.

Stadtgeschichte zum Anfassen

Seit fast 700 Jahren (mit kurzen Unterbrechungen) hängt der Löwenkopf da, wo er hingehört: an der Tür von St. Petri.

Er verlangt keine Aufmerksamkeit, keine Verehrung und schon gar keine Wünsche.

Er ist einfach da. Hamburgs ältestes öffentlich zugängliches Kunstwerk. Anfassen erlaubt.

Blattschmuck

Das steinerne Ornament am Eingang

Erinnerung

An der Rückseite ein Denkmal für Dietrich Bonhoeffe

Informationen:

Adresse: Hauptkirche St. Petri, Bei der Petrikirche 2
Führungen: Regelmäßig, Infos unter sankt-petri.de
Anfahrt: U-Bahn Rathaus

Weiterlesen! Die neuesten Blogbeiträge:

• Schnucki, wo bist du? Zwei Tage wandern auf dem Heidschnuckenweg in der Nordheide
• Streetart in Nîmes: Große und kleine Bilder in Gambetta
• Friedenfels, das Naturerlebnisdorf
• Ein Wochenende in Biarritz: Atlantik, Adel, Artischocken
• Nîmes Tipps: Römer, Krokodile und die beste Stockfischcreme Frankreichs

• E-Mail 
• teilen 
• teilen 
• merken 

Der Beitrag 1000 Mal berührt: Der wahre König der Löwen in Hamburg erschien zuerst auf Freundin von Welt.

Wenn ich mit dem Rad – und meinem Zelt – in Dänemark unterwegs bin, liebe ich es, zwischendurch in Museen einzukehren. Sie sind wie Oasen der Zivilisation: Architektur, Kunst und ein Gefühl von Ruhe. Drinnen! Warm! Wunderbar. Es sind nicht nur Museen, sondern fast Freunde, die ich immer wieder besuche. Meine drei absoluten Lieblingsorte in Dänemark: das Louisiana Museum of Modern Art nördlich von Kopenhagen, das ARoS Kunstmuseum in Aarhus und das Kunsten Museum of Modern Art in Aalborg.

Kommt Ihr mit auf einen kleinen Kunst-Trip?

Eure Kirsten, Freundin von Welt

Dänemark: Das Land der kunstvollen Pausen – in Museen

Wo liegt was – Dänemark-Karte

Von Süd nach Nord: Das Louisiana in Humlebaek nördlich von Kopenhagen auf Seeland, das ARoS in Aarhus an der Ostküste von Jütland und das Kunsten in Aalborg in Nordjütland.

Louisiana Museum of Modern Art: Kunst trifft Küste

Wo? Humlebæk, 35 Kilometer nördlich von Kopenhagen

Das Louisiana ist für mich schon fast wie ein alter Freund, den ich immer wieder gern besuche. Allein die Lage: Direkt am Öresund, wo das Meer jedes Mal eine andere Stimmung zaubert. Die Architektur des Museums ist schlicht und doch unglaublich einladend. Verschiedene Pavillons schlängeln sich durch die Landschaft und vereinen Kunst mit Natur.

Die Museumsgebäude, entworfen von verschiedenen Architekten, sind miteinander verbunden und bilden eine fast kreisförmige Struktur. Sie umfassen das Haupthaus (eine alte Patriziervilla), moderne Anbauten und unterirdische Flügel. Fun Fact: Das Museum wurde nach den drei Ehefrauen des Vorbesitzers der Villa benannt – und ja, alle hießen Louise. Man fragt sich: Zufall oder ein sehr spezifischer Geschmack?

Schwerpunkte der Sammlung sind Europäischer Nouveau Réalisme (Yves Klein, Lucio Fontana), Amerikanische Pop Art (Andy Warhol, Roy Lichtenstein), Deutsche Kunst der 1980er Jahre (Anselm Kiefer, Georg Baselitz), Skulpturen des 20. Jahrhunderts und Video-Kunst seit 1990.
Immer wieder begeistert mich das Louisiana mit innovativer zeitgenössischer Kunst – die Ausstellungen von Ragnar Kjartansson und Marina Abramović waren genial.

Besonders liebe ich die Räume, in denen das Licht durch riesige Fenster auf die Kunst fällt – fast so, als wäre die Natur selbst Teil der Ausstellung. Und der Skulpturenpark! Hier mache ich es mir gerne mit einem mitgebrachten Picknick gemütlich.

Was das Louisiana für mich besonders macht, ist die Atmosphäre. Es gibt Museen, die beeindrucken, aber irgendwie distanziert bleiben. Hier fühle ich mich willkommen, als wäre ich zu Gast in einem riesigen, kunstvollen Wohnzimmer. Es ist ein Ort, an dem ich mich verlieren und wiederfinden kann.

Louisiana Museum of Modern Art

• Gl Strandvej 13, 3050 Humlebæk
• louisiana.dk
• Öffnungszeiten: Di–Fr 11–22 Uhr, Sa–So 11–18 Uhr, Mo geschlossen
• Highlights: Skulpturenpark direkt am Wasser, der Museumsshop, der zum „besten Museumsgeschäft der Welt“ gewählt wurde

Louisiana
Museum of Modern Art
Humlebaek bei Kopenhagen

ARoS Kunstmuseum: Regenbogen über Aarhus

Wo? Mitten in Aarhus, der zweitgrößten Stadt Dänemarks

Das ARoS zieht mich schon von weitem an. Nicht der schlichte Ziegelsteinblock, eines der größten Kunstmuseen Nordeuropas, sondern das, was darauf prangt: Ein begehbarer Regenbogen. Nachts beleuchtet und weithin sichtbar.

Drinnen die Architektur vom dänischen Architekturbüro Schmidt Hammer Lassen: sie ist eine symbolische Reise durch die „Göttliche Komödie“ auf zehn Stockwerken. Vom Keller, der die Hölle darstellt, bis zum Dach, wo Olafur Eliassons „Your Rainbow Panorama“ den Himmel repräsentiert.

Ah, dieser Regenbogen! Ein kreisförmiger Glasgang in allen Farben des Spektrums. In jeder Farbe scheint das Panorama von Aarhus ein anderes Gesicht zu zeigen. Es ist, als würde ich durch ein Instagram-Filter spazieren – in Echtzeit!

Die Ausstellungen selbst sind beeindruckend vielfältig. Von riesigen, hyperrealistischen Skulpturen wie Ron Muecks „Boy“ bis hin zu Installationen, die einen regelrecht verschlucken. Ich habe hier das Gefühl, dass Kunst mehr ist als das, was an der Wand hängt – sie wird hier lebendig, interaktiv, manchmal sogar verstörend. Und genau deshalb liebe ich diesen Ort. Spannend wird es 2025, wenn „The Dome“, der bisher ehrgeizigste Skyspace des Lichtkünstlers James Turrell, eröffnet wird.

ARoS Kunstmuseum

• Aros Allé 2, 8000 Aarhus
• aros.dk/de
• Öffnungszeiten: Di–Fr 10–21 Uhr, Sa–So 10–17 Uhr
• Highlights: Olafur Eliassons „Your Rainbow Panorama“, Ron Muecks „Boy“

Mehr zu Aarhus lest Ihr in meinem Blogbeitrag Ahh, Aarhus! Die acht besten Tipps für ein Wochenende in Aarhus

ARoS Kunstmuseum
Aarhus

Kunsten Museum of Modern Art: Architektur, die das Licht feiert

Wo? Aalborg, Nordjütland

Das Kunsten ist mein Ruhepol, wenn ich in Nordjütland unterwegs bin. Schon von außen fasziniert mich das Gebäude: ein schlichter, weißer Marmorbau. Errichtet zwischen 1968 und 1972 nach den Entwürfen des finnischen Architekten Alvar Aalto, seiner Frau Elissa Aalto und des dänischen Architekten Jean-Jacques Baruël. Es ist das einzige von Aalto entworfene Museumsgebäude außerhalb Finnlands.

Das Licht spielt hier die Hauptrolle – es fällt durch Oberlichter und riesige Fenster und verwandelt den Raum in ein Kunstwerk für sich. Alle Einrichtungsgegenstände und Materialien im Kunsten wurden mit dem Ziel ausgewählt, das Licht zu unterstützen. Es wird von den polierten Marmoroberflächen der Böden reflektiert. Auch die Lampen des Museums wurden von Aalto oder Baruël entworfen.

Im Inneren und im Garten begeistert mich die Sammlung mit moderner Kunst aus verschiedenen Epochen. Besonders spannend finde ich die Skulpturen und Installationen, die oft spielerisch wirken, ohne oberflächlich zu sein. Der ikonische „Water Pavilion“ im Skulpturenpark ist so ein Beispiel.

Das Besondere am Kunsten ist, wie sehr hier alles zusammenpasst. Die Kunst, die Architektur, das Licht. Hier spüre ich eine Ruhe, die ich sonst selten finde, und gleichzeitig diese leise Spannung, die mich dazu bringt, die Welt mit anderen Augen zu sehen.

Kunsten Museum of Modern Art

• Kong Christians Allé 50, 9000 Aalborg
• kunsten.dk
• Öffnungszeiten: Di–So 10–17 Uhr, Mo geschlossen
• Highlights: Architektur von Alvar Aalto, „Water Pavilion“

Aalborg ist auch voll von Streetart – lies dazu meinen Blogbeitrag Aalborg: Streetart – wo findet ihr die großen Wandgemälde

Kunsten
Museum of Modern Art
Aalborg

Dänemark: Mit Kunst im Kopf gegen den Wind

Dänemark ist für mich ein Land der Kontraste: rau und wild in der Natur, klar und ruhig in seinen Museen. Jedes dieser drei Häuser ist mehr als ein Ort, um Kunst anzusehen – es sind Orte, die in mir nachhallen. Wenn ich aus einem dieser Museen komme und wieder aufs Rad steige, fühle ich mich jedes Mal ein bisschen leichter, ein bisschen klüger, ein bisschen mehr bei mir selbst. Und ist das nicht genau das, was Kunst tun sollte?

Weiterlesen – neueste Blogbeiträge:

• Schnucki, wo bist du? Zwei Tage wandern auf dem Heidschnuckenweg in der Nordheide
• Streetart in Nîmes: Große und kleine Bilder in Gambetta
• Friedenfels, das Naturerlebnisdorf
• Ein Wochenende in Biarritz: Atlantik, Adel, Artischocken
• Nîmes Tipps: Römer, Krokodile und die beste Stockfischcreme Frankreichs

• E-Mail 
• teilen 
• teilen 
• merken 

Der Beitrag Dänemark, du Kunststück! Tipps für 3 Museen, die ich liebe erschien zuerst auf Freundin von Welt.

Liebe Freundinnen von Welt,

auch wenn Ihr Hamburgerinnen seid: Mal ehrlich, was kennt Ihr von Hammerbrook? Den roten S-Bahnhof auf Stelzen? Viel mehr ist mir auch nicht bekannt. „Hammerbrook ist mit der City Süd ein bedeutender Business-Standort in Hamburg und soll in Zukunft auch eine attraktive Wohngegend werden“, heißt es auf hamburg.de.
Nun haben in Hammerbrook in letzter Zeit viele Hotels eröffnet. Und es werden noch mehr. Eines davon: Das NYX Hotel Hamburg by Leonardo macht am 13. Juli 2023 auf. Da gibt es Streetart an den Wänden – drinnen – zu entdecken. Das habe ich mir mal angesehen und drei der Künstler getroffen. Darf ich Euch Mirko Reisser alias DAIM, Bobbie Serrano und Niels Buschke mal vorstellen? Und das NYX Hotel Hamburg natürlich auch, soweit es schon fertig ist.

Eure Kirsten, Freundin von Welt

Raus aus der S-Bahn, über die Fußgängerbrücke und in die Frankenstraße: Das Nyx Hotel Hamburg ist gut zu erreichen. Vor der dunklen Fassade mit den großen Fenstern steht noch der Bauzaun, drinnen stapeln sich noch die Kartons und Möbel, aber die Kunst an den Wänden ist schon fertig. Fast fertig. Am 13. Juli 2023 soll die Eröffnung sein.

Vier Hamburger Originale

Das NYX-Kunstkonzept ist einfach: In jeder der internationalen Destinationen werden lokale Künstler mit Kunstinstallationen für das Hotel beauftragt.

In Hamburg wurde Mirko Reisser – bekannt als DAIM – zum Kurator. Er ist seit mehr als 30 Jahren aktiv und einer der bekanntesten Graffiti-Künstler der Welt. Fassaden rund um den Globus wurden von ihm gestaltet, darunter das 96 Meter hohe Hazelview-Gebäude in Calgary: Da sprühte er das höchste Graffiti der Welt.

Das Besondere hier: Ausgewählt wurden Hamburger Künstler mit Streetart/Graffiti-Background. Mirko Reisser holte Bobbie Serrano, Niels Buschke und Moritz Green dazu.
„Wir kommen alle von der Straße. Die Stadt und ihre Architektur hat einen großen Einfluss auf uns.“

Mirko Reisser alias DAIM: Fliegende Bauteile

Mirko Reisser arbeitet mit Buchstaben, sein Graffiti-Name DAIM ist auch in der Arbeit im Eingangsbereich des Nyx-Hotels versteckt. „In meinen Arbeiten kommt das Sich-Auflösende, kommen fliegende Bauteile immer wieder vor.“ Für ihn muss es keine gerade Fläche sein: „Spannend ist die Wand mit den Knicken, mit verschiedenen Dimensionen.“ Umgesetzt hat er die Arbeit mit der Sprühdose, das meiste Freihand gesprüht. Und hat auch gleich noch ein paar Hammerbrook-Tipps parat: „Als Hamburger kennt man ja Hammerbrook nicht so unbedingt. Aber man kann auch mal nach Entenwerder laufen. Oder in die OZM-Galerie (onezeromore.com).“

Niels Buschke: Buchstaben in 3D

Hat die Wandinstallation „You are here” und die beiden Art Chairs gestaltet. Die Art Chairs sind ineinander verschachtelte Buchstaben, wer genau hinsieht, erkennt ein N, ein Y und ein X. Sie sollen auch als Selfie-Spots dienen.

„You are here“ steht groß an der Wand zum Restaurant. Die 3-D-Installation ist noch nicht fertig, aber man kann den Schriftzug schon erkennen. „Klar bin ich hier – im NYX-Hotel angekommen.“
Lettering und Dreidimensionalität sind Buschkes Themen. Die Buchstaben, die später 20 bis 30 Zentimeter aus der Wand herausragen, werden noch beleuchtet, man könnte auch, so der Wunsch, etwas Reeperbahn-Stimmung hineininterpretieren. Hammerbrook sucht die Nähe zum Kiez.

Bobbie Serrano: „Birdstract Art“

„Typisch für meine Arbeiten sind abstrakte Vögel. Geometrische Formen. Pflanzen und Vögel sind immer dabei.“ Ein paar geometrische Formen ergeben ein naturelles Potpourri.
„Mein Ziel ist es, dass Sie den Vogel nicht erkennen – aber er ist da.“ Tipp: Auf die Augen achten.
Bobbie, Vater von drei Kindern, macht auch viel „sozialen Kram“. Er erzählt: „Das kommt von meinem Sozialarbeiter-Background. Ich mache mit meiner Kunst auf etwas aufmerksam, um Spenden zu sammeln. War mit Viva con Aqua – das waren früher meine Mitbewohner – schon in Uganda, Kenia, Brasilien.“
Seine Werke hat er im NYX Hotel an einem Durchgang und, in den für ihn typischen Erdfarben, hinter der Frühstücksstation platziert. „Hier gibt es nur Eier“, scherzt er.

Das NYX Hotel Hamburg: Potential in Hammerbrook

„Unangepasst, weltoffen und kreativ“, beschreibt Hoteldirektor Marcus Schelbert das Konzept des NYX Hotels. „Wir freuen uns darauf, neben unseren Gästen aus aller Welt auch die Hamburger bei uns zu begrüßen.“ Im Foyer ist der erste Anlaufpunkt eine große Bar, daneben ein DJ-Pult. „Wir wollen hier Kunstevents, Partys und Modenschauen machen. Bislang ist in Hammerbrook am Abend wenig los. Aber der Stadtteil hat Potenzial und darauf bauen wir.“ Ach ja: SUPs sollen auch verliehen werden.
Übrigens: Die Arbeiten werden noch von den Künstlern signiert – man soll sie ja schließlich von den dekorativen Elementen unterscheiden können. Nicht, dass noch jemand die Blümchentapete für ein Original hält.

Die Zimmer im NYX Hotel Hamburg – mit Anker und Herz

Über dem Bett prangt ein Anker oder ein Herz mit der Aufschrift „Love HH“ – im Tattoo-Look, als lokale Kiez- und Hafen-Referenz. Auf der anderen Seite ein kleines senffarbenes Plüschsofa und ein schwarzer Tisch, an dem auch gearbeitet werden kann. Dazu ein Badezimmer mit verglaster Dusche. Alles zusammen auf etwa 20 Quadratmetern.

Details zum NYX Hotel Hamburg

236 Zimmer, davon 64 mit „Meerblick“ – also zum Fleet raus. DZ kosten durchschnittlich ca. 120 Euro. 190 Sitzplätze im Restaurant. Das Gastro-Konzept: Fusion-Streetfood, vieles vegetarisch/vegan, kleine Gerichte zum Teilen.

Genial ist der Melonensalat mit Feta und Dill. Vor allem die Kombination aus Melone und Dill ist überraschend.

Ich bekomme durchaus Lust, hier mal einen Abend zu verbringen, bei Drinks und Essen. Vielleicht vorher ein SUP leihen und über die Fleete paddeln. In dem goldenen Käfig, der im Foyer steht, werde ich nicht tanzen. Aber vielleicht ein Foto machen. Und mir noch mal die Streetart drinnen ansehen. Wäre schön, wenn die freundlichen Künstler auch wieder da sind. Lässt sich das machen?

Nyx Hotel Hamburg, Frankenstr. 16, Hamburg-Hammerbrook, nyx-hotels.de/hamburg

Mehr über Streetart in Hamburg:

Liebe Freundinnen von Welt,

erinnert Ihr Euch noch an die 1980er Jahre, als in Hamburg immer mehr bunte Schriftzüge an Hauswänden und auf S-Bahnen auftauchten? Im Museum für Hamburgische Geschichte gibt es eine tolle Ausstellung dazu: Eine Stadt wird bunt. Hamburg Graffiti History 1980-1999, bis zum 7. Januar 2024.

Zum Blogbeitrag „Eine Stadt Wird Bunt“

Weiterlesen? Hier sind mehr Blogbeiträge:

• Schnucki, wo bist du? Zwei Tage wandern auf dem Heidschnuckenweg in der Nordheide
• Streetart in Nîmes: Große und kleine Bilder in Gambetta
• Friedenfels, das Naturerlebnisdorf
• Ein Wochenende in Biarritz: Atlantik, Adel, Artischocken
• Nîmes Tipps: Römer, Krokodile und die beste Stockfischcreme Frankreichs

• E-Mail 
• teilen 
• teilen 
• merken 

Der Beitrag Es tut sich was in Hammerbrook: Streetart im NYX Hotel Hamburg erschien zuerst auf Freundin von Welt.

heute richten wir unseren Blick nach oben in den Himmel – und erleben kostenlosen Kunstgenuss: Zwei Skulpturen auf der Flaniermeile Alter Wall, direkt neben dem Hamburger Rathaus.

Eure Kirsten, Freundin von Welt

Ziemlich unauffällig stehen sie da, die beiden Skulpturen am Alten Wall: die „Gesellschaftsspiegel“ des dänisch-isländischen Künstlers Ólafur Elíasson.
Dass die beiden Werke so heißen und wer sie geschaffen hat, weiß ich aus dem Internet. Vielleicht gibt es irgendwo einen Hinweis, ein Schild, doch ich kann keines finden.

Ich trete unter einen dieser Türme, fast neun Meter hoch, mit braunschwarz patiniertem Messing ummantelt, und richte den Blick nach oben. Dort präsentiert sich mir der Himmel über Hamburg wie ein Juwel. Himmelsstückchen und Häuserfassaden in einer Vielzahl von Verspiegelungen aufgelöst, neu zusammengesetzt, wie zu einem Diamanten geschliffen.
„Das ist eine schöne Art, eine Stadt anzusehen. Wie eine Fliege, die alle Perspektiven erfasst“, sagt Ólafur Elíasson.

Er ist einer für die große Geste im öffentlichen Raum: Er hat Flüsse eingefärbt (ungiftig), eine riesige künstliche Sonne in der Londoner Tate Modern installiert und Wasserfälle in den New Yorker East River stürzen lassen. Das soziale Kunstprojekt, die Solarlampe „Little Sun“, hat Elíasson gemeinsam mit dem Ingenieur Frederik Ottesen entwickelt. Ach, und skandinavischer Breakdance-Meister war er auch mal.

Stehen bleiben und nach oben schauen

„Gesellschaftsspiegel“ ist eine Einladung, für einen Moment aus unserer gewohnten Perspektivschiene auszusteigen, stehen zu bleiben und nach oben zu blicken.“

Ich drehe mich, gehe ein paar Schritte hin und her – das Kaleidoskop über meinem Kopf zeigt mir immer neue Variationen. Es ist ein magischer Moment, ganz für mich.
„Der Himmel ist ein entscheidender Teil der Stadtlandschaft: Er ist unser gemeinsamer, geteilter Raum“, so Elíasson. „Wir brauchen Räume, in denen unterschiedliche Ansichten, Wünsche und Träume existieren können.“

Der Himmel über Hamburg: Ein blaues Feld für all meine Wünsche und Träume. Da sind sie gut aufgehoben, da haben sie Platz, sich zu entfalten.

„Wir brauchen Räume, in denen unterschiedliche Ansichten, Wünsche und Träume existieren können.“

– Ólafur Elíasson

„Gesellschaftsspiegel“ ist eine Einladung, für einen Moment aus unserer gewohnten Perspektivschiene auszusteigen, stehen zu bleiben und nach oben zu blicken.

– Ólafur Elíasson

Das ist eine schöne Art, eine Stadt anzusehen. Wie eine Fliege, die alle Perspektiven erfasst.

– Ólafur Elíasson

Der Himmel ist ein entscheidender Teil der Stadtlandschaft: Er ist unser gemeinsamer, geteilter Raum.

– Ólafur Elíasson

• E-Mail 
• teilen 
• teilen 
• merken 

Der Beitrag Kunst-Tipp: der Himmel über Hamburg erschien zuerst auf Freundin von Welt.

---

„Prado bedeutet Wiese“

Wir lassen es langsam angehen. Guide Manuel erzählt: „Prado heißt so viel wie Wiese. Zuerst war da die Kirche, dann ein botanischer Garten, und dann eine Sternwarte. 1819 wurde das königliche Museum eröffnet. Das Museum am Prado. Das Museum besteht aus Granit und Backstein. Das Kloster des Hieronymus Orden steht daneben, es war das erste Gebäude auf der Wiese. Die Sammlung im Prado Museum zeigt den Geschmack der Könige: viele niederländische Meister und natürlich auch viel spanische Malerei.“

Prado: Kunst ist ein Dialog

---

Kunst ist ein Dialog der Künstler, sie inspirieren sich gegenseitig: Goya arbeitete als Hofmaler von Karl IV., er kam 1778 nach Madrid. Goya ist zunächst unbekannt, er arbeitet zeitweise als Maler für eine Teppichmanufaktur. Goya nimmt Details von Velázquez auf. Er übt in seinen Bildern auch ganz feine Kritik am Königshaus, die Königin zeigt er mit arrogantem Blick, der König sieht etwas stumpf aus. Goya liefert mit seinem Bild „Die nackte Maya“ die erste nackte Frau, die in Spanien in der Malerei akzeptiert wird. Nicht ganz allerdings, es gibt zwei Bilder, auf einen ist Maya bekleidet.

Hinab in die Finsternis

Wir begeben uns ein Stockwerk tiefer, kommen einen dunklen Raum mit Finsteren Bildern. The black paintings, schwarze Malerei, die Goya am Ende seines Lebens auf die Wände in seinem Haus gepinselt hat, bevor er Spanien verließ.
Die Entwicklung von Goya ist besonders. Er ist der erste Maler, der Krieg als Leiden sieht.

Eine Sammlung von mehr als 8600 Gemälden

Die Sammlung des Prados umfasst über 8600 Gemälde und 700 Skulpturen, gezeigt werden 2000-3000 Werke. Damit hat das Museum eine Stellung wie die Eremitage oder der Louvre. Wobei sich der Prado hauptsächlich auf Malerei konzentriert.
Und ich bin jetzt voll davon bis zum Rand und brauche dringend einen Sitzplatz und ein paar Tapas. (Hier geht es zu meinen Tapas-Tipps.)

Öffnungszeiten: Montag bis Samstag, 10:00 bis 20:00 Uhr. Sonn- und Feiertage: 10:00 bis 19:00 Uhr

Freier Eintritt von Montag bis Samstag zwischen 18:00 und 20:00 Uhr und an Sonn- und Feiertagen von 17:00 bis 19:00 Uhr.

Museo del Prado, museodelprado.es

„Kein Mensch kommt aus Madrid. Echte Madrilenen sind sehr selten.“

– Manuel, Guide

Offenlegung: Meine Recherchereise nach Madrid wurde von den RIU Hotels unterstützt.
Der Inhalt der Texte ist von der Einladung unbeeinflusst und spiegelt meine eigene Meinung wider. Für die Beiträge erhielt ich kein Honorar.

Weitere Blogbeiträge:

• Schnucki, wo bist du? Zwei Tage wandern auf dem Heidschnuckenweg in der Nordheide
• Streetart in Nîmes: Große und kleine Bilder in Gambetta
• Friedenfels, das Naturerlebnisdorf
• Ein Wochenende in Biarritz: Atlantik, Adel, Artischocken
• Nîmes Tipps: Römer, Krokodile und die beste Stockfischcreme Frankreichs

• E-Mail 
• teilen 
• teilen 
• merken 

Der Beitrag Bilderrausch: Museo Nacional del Prado erschien zuerst auf Freundin von Welt.

erinnert Ihre Euch an die Anfänge des HipHop in Deutschland? Wie neu die Musik klang, wie seltsam es aussah, was der DJ da mit den Schallplatten machte? Wie wir vor dem Fernseher versuchten, mit Eisi Gulp Breakdance zu lernen? Und wie immer mehr bunte Schriftzüge an Hauswänden und auf S-Bahnen auftauchten? In Hamburg gibt es dazu eine Ausstellung im Museum für Hamburgische Geschichte: Eine Stadt wird bunt. Hamburg Graffiti History 1980-1999, bis zum 7. Januar 2024. Ich war bei der Kuratorenführung (immer donnerstags) und bin tief in die Vergangenheit der Stadt eingetaucht – und in meine eigene Jugend.

Seid Ihr bereit für eine kleine Zeitreise in die wilden 80er, noch vor der Digitalisierung?

Eure Kirsten, Freundin von Welt

Die Geschichte der Dosenkavaliere

Kuratorenführung durch die Ausstellung „Eine Stadt wird bunt“ mit Oliver „Davis“ Nebel

„Netzwerke hatten wir schon damals.“ Oliver „Davis“ Nebel – Künstler, freier Grafiker, Sprüher der frühen Stunde und einer der vier Kuratoren der Ausstellung „Eine Stadt wird bunt“ – zeigt auf den wandfüllenden Plan am Eingang. All die Punkte, an denen sich die Graffiti-Szene damals in Hamburg traf, sind dort eingezeichnet. Der Jungfernstieg, aber auch Tapeten Hesse in Langenhorn.

Die Sprüche, die in den 1980ern die Wände in Hamburg zierten, waren der Anfang. Aber da gibt es einen großen Unterschied zu Graffiti: „Wir schreiben unseren Namen“, so der Kurator.

Probleme? Ab in die Hafenstraße

Aber, wie gesagt: HipHop war mehr. Die soziale Komponente: Gab es Streit, wurde der in Battles geklärt.  So war das in den USA.

In Hamburg gab es einen Typen in der Hafenstraße, der kochte gutes Essen und zu dem konnte man gehen, wenn es Probleme gab: Sprüher Eric machte die selbstverwaltete Kneipe Ahoi von 1993 bis etwa 1996 zum wöchentlichen Treffpunkt für die Graffiti-Szene. Jeden Donnerstag sitzt man hier zusammen, hört Hip-Hop, trinkt Bier und zeichnet Skizzen. Das Ahoi wird zum zentralen Anlaufpunkt der wachsenden Szene.

Und Probleme gab es oft. Als „urban art“ galt Grafitti in den frühen 80ern noch lange nicht. Die Stadtoberen waren genervt, eine „Soko Graffiti“ wurde gegründet. Den Sprühern drohten hohe Geldstrafen. Gleichzeitig veränderte sich die Stadt.

„Es wurde viel gebaut, das waren alles Leinwände für uns“, erinnert sich Davis. „Jetzt hängt dort überall Werbung.“ Und dann fuhren da ja noch diese verlockenden Züge, mit denen die gesprühten Werke mobil wurden.

Ein Problem waren die Mittel, das Werkzeug. Sprühdosen waren teuer, die Farbauswahl mager und die Sprühköpfe ungeeignet. Da musste man kreativ werden. „Es gab da ein bestimmtes Ellen-Betrix-Parfum“, erinnert sich Davis. „Das hatte einen Cap, der eine schön saubere Linie machte.“ So etwas sprach sich herum. In den Drogerien fiel schnell auf, dass just bei diesen Parfumflaschen plötzlich die Sprühköpfe fehlten.

Tapeten-Hesse in Langenhorn entdeckte die Marktlücke, verkaufte Dosen mit den passenden Caps zu Sonderpreisen an Sprüher.

„Wichtig war, das Werk auf einem Foto zu haben.“ Auf einem analog geknipsten Bild. Schnell mit dem Film zu 1000 Töpfe, entwickeln lassen, hoffen, dass die Bilder was geworden sind, sonst sofort noch mal los.

OZ, eine Legende der Straßenkunst

In der Ausstellung wird auch Walter Josef Fischer alias OZ geehrt, diese Legende der Straßenkunst, „Großvater des Graffiti“. Er hat in Hamburg weit über 100.000 Zeichen hinterlassen. Smileys. Kringel. Kleine Wirbelstürme. „Ich will Vielfalt statt einfältig, grau und monoton. Wenn man nicht kontert, dann ist es nur noch grau. Ich mag halt lieber die Wände bunt anstatt wehrmachtsgrau. Das ist auch mein Antrieb,“ hat er gesagt. Je mehr Graffiti, desto schlechter komme die Werbung zur Geltung. Am 25. September 2014 wurde OZ auf den Gleisen in der Nähe des Hamburger Hauptbahnhofs von einem Zug erfasst und starb an seinen Verletzungen. Wer genau hinsieht, findet seine Werke immer noch in Hamburg. Jede der Spiralen (Zyklone, Zyklon B) übrigens steht für jeden im KZ gestorbenen Menschen. Hier gibt es einen Plan mit den Werken von OZ in Hamburg: map.city-of-oz.hamburg

„Wenn an der Ecke ein Smiley ist, freut sich sogar die Polizei oder ärgert sich, da ist schon wieder so einer.“

– Walter Josef Fischer alias OZ

„Der hat so viel gewogen wie ein VW Käfer. Und Batterien gefressen hat der!„

– Oliver „Davis“ Nebel, Kurator

Zwischen Powerhouse und Jugendzimmer

Der Originalschriftzug „Powerhouse“ erinnert an Hamburgs ersten HipHop -Club: Eine ehemalige Kiezgrößen-Muckibude in der Simin-von-Utrecht-Straße auf St. Pauli. Ich habe mal einen Sommer lang daneben gewohnt.

Oft war die Szene – überwiegend „junge Männer jeglicher Herkunft, meist zwischen 13 und 17 Jahre“, wie der Kurator sagt, jedoch draußen unterwegs. Und die Musik musste mit – per „Ghettoblaster“. „Der hat so viel gewogen wie ein VW Käfer“, erinnert sich Oliver Nebel. „Und Batterien gefressen hat der!“

Intimer Höhepunkt der Ausstellung ist ein nachgebautes – „fiktives“, wie der Kurator betont – Jugendzimmer eines 17jährigen Sprühers. Ganz fein ist hier der Übergang vom Kind zum jugendlichen Rebellen zu sehen: Im Regal stehen Zauberwürfel und Schlümpfe, auf dem schmalen Bett sitzen ein Plüsch Alf und zwei Monchichi – und hinter der Tür lagern die Sprühdosen.

„Mama, Mama, komm her, so etwas hast Du noch nicht gesehen“, ruft aufgeregt eine jugendliche Besucherin und zieht ihrer Mutter in das Zimmer. Ihr Blick trifft meinen, wir Frauen lächeln uns wissend an. Doch, so etwas haben wir schon mal gesehen. Damals. In echt.

Die App zur Ausstellung

Wo gesprüht wurde – und wo viele Graffitis heute noch zu sehen sind – darüber gibt eine App zur Ausstellung mit einem interaktiven Stadtplan Auskunft. Insgesamt lassen sich 55 Orte mit Augmented Reality (AR) erkunden, verfügbar sind Orginalfotos und Texte mit weiteren Infos zu den Hotspots.

Informationen:

EINE STADT WIRD BUNT. Hamburg Graffiti History 1980 – 1999

Eine Ausstellung im Museum für Hamburgische Geschichte, noch bis 31. Juli 2023 – verlängert bis 7. Januar 2024

Museum für Hamburgische Geschichte, Holstenwall 24, 20355 Hamburg

Eintritt: Erwachsene 5 €.

Mein Tipp: Kuratorenführungen jeden Donnerstag von 18 – 19 Uhr. Die Führungen sind im Eintrittspreis enthalten.

einestadtwirdbunt.de

• E-Mail 
• teilen 
• teilen 
• merken 

Der Beitrag Ausstellung „Eine Stadt wird bunt“: Graffiti-Geschichte in Hamburg erschien zuerst auf Freundin von Welt.