Take risks! Eröffnung der Ausstellung Art Vital in Ljubljana

Liebe Freundinnen von Welt,

ich nehme Euch mit in die Cukrarna Gallery in Ljubljana. Vor der alten Zuckerfabrik am Ufer der Ljubljanica ein Auflauf, wie man ihn eher von Premieren kennt als von Galerien.

Davor die erste Re-Performance: Zwei Menschen tragen in Eimern Steine hin und her.

Ich bin ein wenig erleichtert, dass es keine Re-Performance ihrer Arbeit „Imponderabilia“ gibt: Da mussten sich die Besucher einer Galerie 1977 in Bologna durch die kleine Lücke zwischen Marina Abramović und Ulay drängen, die sich in der Tür nackt gegenüber standen. Wem hätte ich mich zugewendet – dem Mann oder der Frau?

Drinnen in der riesigen, hohen Halle, sammelt sich Energie. Stimmen, Schritte, ein Wiedersehen der Ljubljaner High Society. Warten bei Häppchen und Drinks. Es ist die Eröffnung von ART VITAL – 12 Jahre Ulay / Marina Abramović – über die ikonische Zusammenarbeit von Marina Abramović (1946, Belgrad) und Ulay – Frank Uwe Laysiepen (1943, Solingen – 2020, Ljubljana).

Marina Abramović, 79 Jahre alt, ist eine meiner persönlichen Heldinnen. Ein rares Vorbild älterer Frauen. Bei der Eröffnung habe ich viel von ihr gelernt. Das möchte ich mit Euch teilen.

Eure Kirsten, Freundin von Welt

Gemeinsam schleppen

Re-Performance der Arbeit Work Relation von 1978

Work Relation Re-Performance

Zeit wird physisch erfahrbar

Ein Datum mit Bedeutung: 30. November, der Geburtstag von Marina Abramović und Ulay

Es ist der 30. November 2025. Geburtstag von Marina Abramović. Geburtstag von Ulay – Frank Uwe Laysiepen (1943–2020). Und der Tag ihres Kennenlernens vor fünfzig Jahren. Biographie, Liebe und Kunst, hier kommt alles zusammen.

Marina Abramović steht auf der Bühne. Präsenz ist ein zu kleines Wort dafür. Sie lacht, sie erzählt, sie beobachtet das Publikum. Irgendwann wird eine Torte hereingetragen. Ohne Kerzen. Sie schaut darauf, schaut ins Publikum und fragt trocken:

„What is going to happen now? Where are the candles?“

Dann singen wir alle Happy Birthday. Vormittags. In einer ehemaligen Zuckerfabrik. Für eine Frau, deren Lebenswerk davon handelt, da zu sein. Wirklich da.

In den Reden geht es um Verletzungen nach Performances, die versorgt werden mussten. Um zwei Menschen, die beschlossen haben, eine gemeinsame Energie zu werden. Ulay nannte Marina einmal „Duracell“. Sie nannten sich gegenseitig „Superglue“. Nähe war war Methode.

Abramović sagt einen Satz, der hängen bleibt:

„Energy and performance is everything. We believed in this form of art even when only twenty people came.“

Ich stehe da und merke: Diese Eröffnung eine Vergegenwärtigung. Eine Erinnerung daran, dass Liebe und Arbeit, Beziehung und Kunst, Durchhalten und Vertrauen zusammengehören.

Der Van

kein fester Wohnort

Manifest Art Vital

1977 notiert

Weltoffenheit: Die Welt als Atelier

1977 schreiben Marina Abramović und Ulay ihr Manifest ART VITAL. Eine Art Gebrauchsanweisung fürs Leben. Einer der Sätze: „permanente Bewegung“. Ein anderer: „kein fester Wohnort“.

„Art Vital means to have courage. Take risks. To take your entire planet as a studio.“

Sie ziehen los. Ein Van wird Zuhause, Atelier, Rückzugsort. Europa wird zum Arbeitsraum. Performances entstehen unterwegs, zwischen Ankommen und Weiterfahren. Der Hund immer dabei. Nähe auch.

Auf Fotografien sieht man sie in diesem Wagen, auf Parkplätzen, an Straßenrändern, irgendwo zwischen Aufbruch und Erschöpfung. Man spürt: Das hier ist kein Aussteigertraum. Das ist Konzentration.

Liebe ist in diesem Modell kein Rückzugsort. Sie liegt mitten auf der Strecke. Abramović und Ulay arbeiten Seite an Seite, schlafen nebeneinander, denken gemeinsam, zweifeln gemeinsam. Beziehung als Dauerzustand.

„Performance is the most difficult art form.“

Performance verlangt alles: Körper, Zeit, Energie. Und sie verlangt Beziehung. Vertrauen. Die Bereitschaft, sich wirklich zu zeigen.

Was mich an ART VITAL fasziniert: Liebe erscheint hier als etwas Aktives. Als tägliche Handlung. Als Übung in Präsenz.

Ich bleibe lange vor den Tagebuchseiten stehen. Handschrift, Skizzen, Notizen. Kleine Sätze, große Entscheidungen. Und ich denke: Wie mutig es ist, das Leben so zu führen. Ohne Puffer. Mit offenem Blick.

Und irgendwo zwischen diesen Dokumenten wird klar: ART VITAL ist eine Einladung, Nähe neu zu denken. Als etwas, das Energie freisetzt.

Art is easy

Oder etwa nicht?

Verbunden

Zwei Menschen, ein Zopf: Klare Frisurempfehlung

Durchhalten: Arbeiten, wenn niemand klatscht

„We believed in this form of art even when only twenty people came.“

Zwanzig. Keine Tausend. Kein Hype. Kein Algorithmus.

Abramović spricht offen über diese frühen Jahre. Über Performances ohne Resonanz. Über Arbeit ohne Applaus. Und über die Entscheidung, trotzdem weiterzumachen.

Ich kenne dieses Gefühl. Vielleicht kennt Ihr es auch. Dieses lange Arbeiten im Stillen. Schreiben, denken, aufbauen – während andere scheinbar mühelos sichtbar sind.

Dann kommt Kassel. Und mit Kassel ein Wendepunkt.

Eine Einladung zur documenta führt in eine Grauzone. Ein Missverständnis. Kein offizieller Platz im Programm. Kein Raum. Keine Bühne. Ulay reagiert praktisch. Er spricht mit einem Supermarktleiter, organisiert darüber einen Raum in einer Tiefgarage. Dort findet die Performance statt.

Abramović erzählt davon mit trockenem Humor:

„More than a thousand people came. Half of the art world. The other half was looking for their car.“

Gelächter im Raum. Und ich verstehe zugleich: Hier kippt etwas. Aus Durchhalten wird Sichtbarkeit. Aus Beharrlichkeit wird Öffentlichkeit. Nicht geplant, sondern gemacht.

Marina Abramović sagt dazu einen Satz, den man sich einrahmen sollte:
„You can only make your own destination if you work, work, work.“

Nicht glamourös. Aber ehrlich. Und tröstlich.

Abramović spricht davon, nur das zu tun, was man absolut liebt – mit dem Menschen, den man absolut liebt.

Cukrarna

Eröffnung von Art Vital im Foyer

Schuhwerk

Durchalten auf HighHeels? Nichts für mich!

Vertrauen: Kontrolle abgeben

Einer der stärksten Momente der Ausstellung ist unsichtbar. Abramović erzählt, dass sie den Kuratorinnen keinerlei Kontrolle über die Auswahl der Materialien gegeben hat. Tagebücher, Briefe, innere Räume – alles offen. Rund sechzig Prozent der Exponate waren zuvor öffentlich nicht zugänglich.

„I did not want to have any control over what they would choose.“

Die Kuratorinnen hatten freien Zugriff. Auf alles. Auf Material, das nie für Öffentlichkeit gedacht war. Auf Gedanken, Zweifel, Prozesse. Abramović hat zugesehen. Und zugelassen.

Für eine Frau, die jahrzehntelang ihren Körper, ihre Zeit, ihre Energie kontrolliert hat, ist das ein radikaler Schritt.

Marina Abramović formuliert das während der Eröffnung offen:

„I have never before had an exhibition that contained so much documentation, so much exposure of my inner self.“

Ich habe mich gefragt: Wann habe ich zuletzt wirklich Kontrolle abgegeben? Nicht halb. Nicht scheinbar. Sondern echt.

Vielleicht ist das eine unserer großen Aufgaben mit zunehmender Erfahrung: zu erkennen, dass Vertrauen kein Risiko ist, sondern eine Entlastung.

Vielleicht liegt genau hier eine der leisesten, stärksten Lektionen dieser Ausstellung:
Vertrauen erweitert den Blick. Es nimmt Last von den Schultern. Und es schafft Platz – für Überraschung, für neue Lesarten, für Bewegung.

Ich gehe weiter mit dem Gefühl, dass Kontrolle ein Werkzeug ist. Und Vertrauen eine Entscheidung.

„I did not want to have any control over what they would choose. For me the show looks new.“

Marina Abramović

Blick ins Archiv

Sehen, lesen, verstehen – Material, das noch nie gezeigt wurde

Birthday Performances

Die Kunst, den Geburtstag mit einer Performance zu feiern

Sichtbarkeit: Applaus einfordern

Marina Abramović steht auf der Bühne. Die Geburtstagstorte ist da. Sie lacht, fragt: Wo sind die Kerzen“, nimmt die Situation an sich. Und dann sagt sie, klar und ohne jede Umständlichkeit:

„Applaus!“

Als Aufforderung.

Wir reagieren sofort. Klatschen. Lachen. Und ich merke, wie viel in diesem einen Wort steckt. Wie ungewohnt es ist, dass eine Frau Anerkennung einfordert, ganz selbstverständlich.
Applaus einfordern – das widerspricht vielem, was wir gelernt haben. Bescheiden bleiben. Leistung relativieren. Sichtbarkeit lieber anderen überlassen. Anerkennung hoffen, nicht benennen.

Abramović macht es anders. Sie steht da, nach Jahrzehnten Arbeit, nach Performances, die Körper, Zeit und Energie gefordert haben – und sie nimmt sich diesen Raum.

Mich trifft das. Weil es so klar ist. Und weil es nichts mit Eitelkeit zu tun hat. Sondern mit Verantwortung gegenüber der eigenen Arbeit.

Ich denke an all die Situationen, in denen wir still bleiben, obwohl etwas Anerkennung verdient hätte. An die Momente, in denen wir hoffen, gesehen zu werden, ohne uns zu zeigen.

Dieser eine Satz von Abramović wirkt nach. Er sagt: Sichtbarkeit ist kein Zufall. Sie ist eine Entscheidung.

Und vielleicht dürfen wir uns öfter erlauben, genau das zu tun:
den Moment benennen.
den Raum einnehmen.
Applaus einfordern.

Nähe, Risiko, Vertrauen

„Performance is all about transformation of energy.“

Viele ihrer Arbeiten – besonders mit Ulay – kreisen um Nähe. Um Vertrauen. Um Risiko.

Rest Energy entsteht 1980. Marina Abramović und Ulay stehen sich gegenüber. Zwischen ihnen ein Bogen. Ulay hält den Pfeil, Marina den Bogen. Die Sehne ist gespannt. Die Pfeilspitze zeigt direkt auf ihr Herz.
Kein Ausweichen. Keine Bewegung. Ihre Körper lehnen sich leicht zurück, nur so weit, dass die Spannung hält. Mikrofone zeichnen ihren Herzschlag auf, ihren Atem, das Knarren der Sehne. Alles wird hörbar. Jede minimale Verschiebung könnte das Gleichgewicht kippen.

Was diese Arbeit so radikal macht, ist ihre Klarheit. Hier gibt es kein Symbol, das man entschlüsseln muss. Vertrauen ist konkret. Verantwortung auch. Ulay hält Marinas Leben buchstäblich in den Händen. Marina überlässt sich ihm – und bleibt gleichzeitig vollkommen präsent.

Vertrauen ist nichts Romantisches. Es ist eine Entscheidung, sich verletzlich zu machen. Immer wieder.

In Beziehungen – ob Liebe, Freundschaft oder Partnerschaft – gibt es solche Momente. Situationen, in denen jemand den Bogen hält und jemand anderes den Pfeil. Situationen, in denen es kein Netz gibt, sondern nur gegenseitige Verantwortung.

Und ja, das ist mutig. Aber auch lebendig.

Rest Energy

Radikales Vertrauen bei der Performance

Schreie und Ohrfeigen

Marina Abramović und Ulay, nicht immer romantisch

Alter: Freiheit statt Rückzug

Kurz vor dem Ende der Eröffnung, mit Blick auf ihre Geburtstagstorte, sagt Marina Abramović, dass sie im nächsten Jahr 80 wird. Und dann diesen Satz:

„Eighty is the new forty.“

Abramović steht für ein Verständnis von Alter, das nicht in den Rückzug führt, sondern in eine neue Form von Freiheit. Keine Verjüngungsgeste, kein Wettlauf mit früheren Versionen des eigenen Körpers. Stattdessen Klarheit. Präsenz. Die Bereitschaft, Raum einzunehmen.

In Art Vital wird sichtbar, wie sehr diese Freiheit mit Erfahrung zu tun hat. Mit Jahren des Dranbleibens. Mit der Entscheidung, sich nicht zu verkleinern. Alter erscheint hier als Verdichtung: weniger Ablenkung, mehr Essenz.

Mich trifft das, weil so viele Erzählungen über Frauen im Alter von Verlust handeln. Von Rückzug, von leiser werden. Abramović erzählt etwas anderes. Sie zeigt: Erfahrung ist kein Ballast. Sie ist Kapital.

Und dann, fast zum Schluss, erlaubt sie sich genau das, was man ihr vielleicht am wenigsten zutraut: Selbstironie. Sie erzählt einen Witz. Einen sehr trockenen. Einen sehr eigenen.

„How many performance artists does it take to change a light bulb?
I don’t know. I was there for six hours.“

Gelächter. Und mit diesem Lachen fällt jede Schwere ab.

Vielleicht liegt genau darin die größte Freiheit dieses Alters: sich ernst zu nehmen, ohne sich wichtig zu machen. Klar zu sein. Und dabei leicht zu bleiben.

Was bleibt

Marina Abramović hat mir gezeigt, dass Weltoffenheit eine tägliche Entscheidung ist.
Dass Durchhalten wichtig ist.
Dass Vertrauen Arbeit braucht, aber Last nimmt.
Dass Sichtbarkeit nichts mit Eitelkeit zu tun hat, sondern mit Verantwortung.
Dass wir Applaus einfordern dürfen.
Und dass Alter kein Rand ist, sondern ein Raum.

Ich bin gegangen mit dem Gedanken, dass vieles möglich bleibt, wenn man sich selbst ernst nimmt. Und gleichzeitig leicht. Die Selbstironie nicht vergessen!

Was ich kann, das könnt Ihr auch.
Versprochen.

Applaus einfordern!

Marina Abramović und Lena Pislak (Ulay Foundation)

„80 ist das neue 40!“

Marina Abramović und Lena Pislak (Ulay Foundation)

Slowenien hat mehr zu bieten. Wer die Reise verlängert, fährt nordwärts nach Radovljica, eine der am besten erhaltenen Altstädte Sloweniens, unterschätzt und sehr süß. Oder südwärts nach Lipica, wo die Lipizzaner seit Jahrhunderten das tun, was Abramović über Körper und Disziplin sagt: üben, üben, üben.

Kirsten Rick

Neueste Beiträge:

• Interrail für Erwachsene: Die Freiheit liegt im Regionalzug
• Lüneburger Heide: Wissenswertes von A bis Z
• Schnucki, wo bist du? Zwei Tage wandern auf dem Heidschnuckenweg in der Nordheide
• Streetart in Nîmes: Große und kleine Bilder in Gambetta
• Friedenfels, das Naturerlebnisdorf

• E-Mail 
• teilen 
• teilen 
• merken 

Der Beitrag Art Vital: Was ich von Marina Abramović gelernt habe erschien zuerst auf Freundin von Welt.

Hamburges ältestes öffentlich zugängliches Kunstwerk: Der Löwenkopf-Türzieher von St. Petri ist für mich der wahre König der Löwen!

Liebe Freundinnen von Welt,

Hamburg ist eine Stadt der großen Gesten, von Speicherstadt bis Elbphilharmonie. Aber kennt Ihr schon Hamburgs ältestes öffentlich zugängliches Kunstwerk? Den Löwenkopf-Türzieher, der das Hauptportal von St. Petri bewacht? Er ist fast ein wenig unscheinbar. Manchmal, wenn ich auf dem Weg zur Mönckebergstraße dort vorbeikomme, gehe ich hin und tätschle ihm die Nase. Dem wahren König der Löwen.

Eure Kirsten, Freundin von Welt

Der hamburger Löwe, der seit 1342 die Klappe hält

Er ist alt, er ist aus Bronze, und er weiß mehr als alle Stadtführer zusammen: der linke Türzieher an St. Petri. 1342 entstand er in der Werkstatt des Lübecker Meisters Hans Apengeter, als Hamburg noch ein aufstrebendes Nest an der Elbe war. Apengeter war im gesamten norddeutschen Raum für seine Bronzearbeiten an Kirchen bekannt.

Ein Löwe. Kein Kätzchen, kein schüchterner Hund. Ein Löwe. Kraft, Schutz und Einigkeit – all das sollte dieses Gesicht ausstrahlen.

Die Umschrift auf dem Kunstwerk verweist auf die Grundsteinlegung des Kirchturms im selben Jahr. Der Löwenkopf diente nicht nur als Türklopfer, sondern symbolisierte Macht, Schutz und Einigkeit.

Dass er so viele Jahrhunderte überlebt hat – Brände, Kriege, Modewellen –, liegt vermutlich daran, dass er von Anfang an sehr beschäftigt war. Wer immer einen Vertrag abschließen wollte, legte seine Hand auf den Ring. Beide Seiten mussten anfassen. Der Deal war besiegelt.

Der Älteste

Der (linke) Löwenkopf-Türzieher von St. Petri

Die Älteste

St. Petri ist die älteste Pfarrkirche Hamburgs

Berühren auf eigene Gefahr

Meine Hand legt sich auf den kalten Bronze-Ring. Kurz überlege ich, was wohl passiert wäre, wenn ich ihn im Mittelalter angefasst hätte. Vermutlich hätte ich mir aus Versehen ein halbes Fischerdorf angelacht.
Heute passiert erst mal gar nichts. Außer, dass ich kurz das Gewicht der Jahrhunderte spüre. Und eine gewisse raue Wärme – als hätte der Löwe über die Jahrhunderte das Vertrauen der Hamburger in sich aufgesogen.

Hamburgs älteste Kirche: St. Petri

Wenn Ihr schon mal da seid: St. Petri ist die älteste noch existierende Kirche der Stadt. Um 1035 als Holzkapelle gegründet. Um 1310/20 begann der Bau der dreischiffigen gotischen Hallenkirche, zu deren Ausstattung der Löwenkopf-Türzieher gehört.

Beim Großen Brand am 7. Mai 1842 wurde St. Petri fast vollständig zerstört. Nur einige Grundmauern blieben erhalten. Glücklicherweise konnten die meisten Kunstwerke, darunter auch der Löwenkopf, gerettet werden.

Auf den Tag genau sieben Jahre später wurde die von den beiden Architekten Alexis de Cháteauneuf und Hermann Felsenfeldt auf dem alten Grundriss errichtete Hallenkirche feierlich eingeweiht.

Im Gegensatz zu vielen anderen Hamburger Kirchen überstand St. Petri den Zweiten Weltkrieg mit nur geringen Schäden. Selbst die Glocken blieben erhalten. Und natürlich der Löwenkopf.

Der rechte Löwe: Der jüngere Bruder

Falls Ihr nun denkt: „Ach, da ist ja noch ein Löwenkopf!“ – stimmt. Rechts am Portal gibt es einen zweiten Türzieher. Aber der ist eine Nachbildung von 1842.

Nicht verwechseln

Die Umschrift verrät: dieser Löwe ist von 1849

Der jüngere Bruder

auf dem rechten Türflügel – mit längerer Nase

Und sonst so? Wo Löwen in Hamburg noch brüllen

Übrigens: Der Löwenkopf von St. Petri ist nicht der einzige Löwe in Hamburg.

• Das Rathaus nebenan wird von steinernen Löwen bewacht, Symbol für Macht und Stärke.
• Im Museum für Kunst und Gewerbe gibt es ein mittelalterliches Aquamanile in Löwenform – eine Art Gießkanne für fromme Hände.
• In der Kunsthalle hängt sogar eine Zeichnung von Albrecht Dürer: ein nachdenklicher Löwe aus dem Jahr 1495, der wohl ahnte, dass er einmal an einer Hamburger Wand enden würde.
• Und dann gibt es natürlich noch das Musical „König der Löwen“.

Hamburg liebt seine Löwen – aber keiner von ihnen hat so viel erlebt und so viele Hände gespürt wie der alte Türzieher von St. Petri.

Stadtgeschichte zum Anfassen

Seit fast 700 Jahren (mit kurzen Unterbrechungen) hängt der Löwenkopf da, wo er hingehört: an der Tür von St. Petri.

Er verlangt keine Aufmerksamkeit, keine Verehrung und schon gar keine Wünsche.

Er ist einfach da. Hamburgs ältestes öffentlich zugängliches Kunstwerk. Anfassen erlaubt.

Blattschmuck

Das steinerne Ornament am Eingang

Erinnerung

An der Rückseite ein Denkmal für Dietrich Bonhoeffe

Informationen:

Adresse: Hauptkirche St. Petri, Bei der Petrikirche 2
Führungen: Regelmäßig, Infos unter sankt-petri.de
Anfahrt: U-Bahn Rathaus

Weiterlesen! Die neuesten Blogbeiträge:

• Interrail für Erwachsene: Die Freiheit liegt im Regionalzug
• Lüneburger Heide: Wissenswertes von A bis Z
• Schnucki, wo bist du? Zwei Tage wandern auf dem Heidschnuckenweg in der Nordheide
• Streetart in Nîmes: Große und kleine Bilder in Gambetta
• Friedenfels, das Naturerlebnisdorf

• E-Mail 
• teilen 
• teilen 
• merken 

Der Beitrag 1000 Mal berührt: Der wahre König der Löwen in Hamburg erschien zuerst auf Freundin von Welt.

Liebe Freundinnen von Welt,

im April 2025 jähren sich zwei Ereignisse, die nicht nur geschichtliche Fußnoten sind, sondern Prüfsteine für unser Erinnern: Am 9. April vor 80 Jahren wurde Dietrich Bonhoeffer im Konzentrationslager Flossenbürg ermordet – ein evangelischer Theologe, der nicht schwieg, als Schweigen bequemer gewesen wäre. Und am 23. April 1945 befreite die US-Armee eben jenes Lager – Flossenbürg –, in dem er seine letzten Stunden verbrachte. Acht Jahrzehnte danach ist klar: Wer heute Gedenkstätten besucht, macht keine Vergangenheitsbewältigung, sondern Gegenwartsarbeit.

Gedenkstätte Flossenbürg

Das Torhaus

Richtungsweisend

Zur Ausstellung „was bleibt“

Manchmal genügt ein Denkmal, um eine Erinnerung zu wecken. Ich gehe durch Hamburg, ein sonniger Tag, der Wind pustet mir die Gedanken frei. An der St.-Petri-Kirche bleibe ich stehen. Da steht er – Dietrich Bonhoeffer, aus Bronze, mit gefesselten Händen. Ein Mann, der standhielt. Auf dem Sockel steht der Ort seines Todes: Flossenbürg. Damals KZ, heute Gedenkstätte. Ich denke zurück an einen Besuch dort vor einigen Jahren. Fünf Menschen, drei Generationen, ein Tag im Sommer, heiß wie ein Ofenblech. Die Schwiegereltern, mein Mann, eine Tochter und ich. Die Sonne brannte, als wolle sie alles Vergangene ausbleichen – aber die Geschichte bleibt, wie ein dunkler Schatten unter den Augen.

Leerstelle

Am Rand ist die Wohnbebauung sichtbar

Lagertor

Ein Schild verrät, wie es früher aussah

Ein vergessener Häftling: Bonhoeffers letzte Stunden

Dietrich Bonhoeffer verbringt in Flossenbürg nur wenige Stunden. Im April 1945, die Front rückt näher, das Regime zieht die letzten Register seines Hasses. Sonderhäftlinge aus Buchenwald werden nach Weiden in der Oberpfalz gebracht, von dort weiter nach Flossenbürg. Doch Bonhoeffer wird schlicht vergessen. Er landet in einem Schulhaus im bayerischen Schönberg, wo er am Weißen Sonntag, dem 8. April, noch eine Morgenandacht hält. Erst später wird bemerkt, dass jemand fehlt. Die SS holt ihn nach. In Flossenbürg trifft er am Abend ein. Ein Standgericht urteilt schnell. Der Befehl zur Hinrichtung kommt direkt vom „Führer“. Noch einmal wird aufgeräumt. Auch Georg Elser stirbt, auch Hans von Dohnanyi. Ein letzter, kalt kalkulierter Akt der Rache.

Dietrich Bonhoeffer

4.2.1906-9.4.1945, ermordet in Flossenbürg

Lichtschein

Fenster in der Kapelle in Flossenbürg

Dietrich Bonhoeffer – Stimme des Widerstands im NS-Regime

Glaube, Haltung und Mut: „Dem Rad in die Speichen fallen“

Bonhoeffer, geboren 1906, war kein bequemer Christ. Er dachte klar, handelte früh. Als die meisten noch hofften, dass der Spuk sich von selbst erledige, sprach er im Radio gegen das „Führerprinzip“. Das Mikrofon wurde abgeschaltet – sein Protest nicht. Er arbeitete mit Jugendlichen in Berlin-Wedding, unterrichtete am Predigerseminar in Finkenwalde, reiste nach New York, London, in die Schweiz. Er war ein Theologe, aber keiner, der sich hinter Büchern versteckte. Widerstand war für ihn kein theologisches Konzept, sondern eine Praxis. „Nicht nur die Opfer unter dem Rad verbinden, sondern dem Rad selbst in die Speichen fallen“, schrieb er. Kein romantischer Held, sondern ein klar Denkender – ein Mann mit Haltung in einer Zeit der Duckmäuser.

Feld der Erinnerung

Asche und Gebeine unter dem Grün

Gedenkstele

Der §175 kriminalisierte Homosexualität

Die Gedenkstätte Flossenbürg – Erinnerungsort mit Tiefe

Was bleibt? Geschichte sichtbar machen

Auf unserem Weg durch die Ausstellung schweigen wir meist. Nicht aus Verlegenheit. Sondern weil jedes Wort daneben klingt. In der ehemaligen Wäscherei wird die Geschichte des KZ dokumentiert: Fotos, Zitate, persönliche Gegenstände, nüchtern präsentiert, eindringlich gerade deshalb. In der zweiten Ausstellung – „Was bleibt“ – geht es um die Nachwirkungen. Wie erinnerte man sich? Oder eben nicht? Was wurde verdrängt, was verklärt, was verschwiegen? Mein Schwiegervater – er war zur Nazizeit ein Kind – liest, dass Flossenbürg ein Außenlager für die Rüstungsindustrie war. Das wusste er nicht. Und wir wissen jetzt: Erinnern ist kein Zustand, sondern ein Prozess.

Ausstellung

Bilder erinnern an die Menschen

Nachlass

Papier und Stifte, im Saum eingenäht

Vom Granit zum Gedenken

Flossenbürg und seine schwierige Erinnerung

Flossenbürg war einst ein unauffälliges Arbeiterdorf im Oberpfälzer Wald – geprägt vom Granitabbau, beliebt als Ausflugsziel. Mit der Machtübernahme der Nationalsozialisten wurde der Ort Teil ihrer Rüstungs- und Vernichtungsmaschinerie: 1938 errichtete die SS hier ein Konzentrationslager. Über 100.000 Männer und Frauen aus mehr als 30 Ländern wurden bis 1945 in Flossenbürg und seinen Außenlagern inhaftiert, ausgebeutet, ermordet. Nach der Befreiung am 23. April 1945 durch US-Truppen wurde das ehemalige Lager jahrzehntelang weitgehend ignoriert. Wohnhäuser entstanden auf dem Gelände, die Vergangenheit verschwand unter Fundamenten und Schweigen. Erst in den 1990er Jahren begann ein langsames Umdenken.

Sommertag

In der Hitze mussten die Gefangenen stundenlang stehen

Blüten der Hoffnung

Ein wenig buntes Leben

1995 wurde mit dem Aufbau einer Gedenkstätte begonnen – auf Drängen von Überlebenden, nicht aus lokalem Antrieb. 2007 eröffnete in der ehemaligen Wäscherei des Lagers die erste große Dauerausstellung „Konzentrationslager Flossenbürg 1938–1945“, 2010 folgte „Was bleibt“ zur Nachgeschichte des Ortes. 2015 wurde das Gelände umfassend neugestaltet, ein Bildungszentrum eröffnet. Heute ist Flossenbürg ein europäischer Erinnerungsort – entstanden gegen viele Widerstände, getragen von der Einsicht: Es gibt keinen Schlussstrich unter ein Verbrechen, das noch immer Fragen stellt.

Zahlen

mindestens 30.000 Menschen sind in Flossenbürg gestorben

Kampf ums Überleben

Dokumente und Zitate geben Einblick in den Lageralltag

Bonhoeffer als Symbol – und wie Erinnerung instrumentalisiert wird

Zwischen Kalenderblatt und politischer Vereinnahmung

In Flossenbürg hängt seit 2020 eine Gedenktafel – gestiftet von Donald Trump, enthüllt vom damaligen US-Botschafter. Eine Ironie, die einem das Lächeln gefrieren lässt. Ausgerechnet Bonhoeffer, der Kämpfer gegen autoritäre Systeme, wird von einem Rechtspopulisten geehrt, der selbst mit autokratischen Anwandlungen flirtete. Noch absurder: In den USA wird Bonhoeffer in evangelikalen Kreisen als Kronzeuge gegen Abtreibung, Homoehe, Multikulturalität herangezogen. Die AfD bemüht ihn für ihre eigene Opfermythologie. Da wird er plötzlich zum Schutzheiligen gegen „den Zeitgeist“, zum Maskottchen eines konservativen Kulturkampfs. „Man muss dem Rad in die Speichen fallen“, steht auf Facebook – darunter der Kommentar: „Genau wie wir heute gegen die Flüchtlingspolitik.“ Wer so spricht, versteht nichts. Weder von Bonhoeffer noch vom Rad.

Dietrich Bonhoeffer

„Man muss dem Rad in die Speichen fallen.“

Was bleibt?

„Wir lernen nicht – siehe AFD“, schreibt ein Besucher

„Von guten Mächten…“

Hoffnung im Angesicht des Todes

Im Dezember 1944, in Gestapo-Haft, schreibt Dietrich Bonhoeffer ein Gedicht. Kein Aufruf, kein Trosttext für die Gemeinde, sondern ein persönlicher Weihnachtsgruß an seine Verlobte Maria von Wedemeyer. „Von guten Mächten treu und still umgeben…“ – so beginnt ein Text, der heute in Kalendern und auf Gesangbuchseiten zu finden ist. Doch wer nur den Klang hört und nicht die Herkunft kennt, hört nicht wirklich zu. Die Verse stammen aus einem Keller, geschrieben von einem Mann, der wusste, dass sein Leben bald enden würde – und der doch Worte fand, die nicht vergehen.

Keine Vertröstung. Keine Illusion. Sondern Hoffnung, die das Dunkel kennt – und trotzdem bestehen bleibt.

Portraits

Im Mittelpunkt der Ausstellung stehen die Menschen

Gefangen

Reste des Zauns im Wald

Warum wir Orte wie Flossenbürg besuchen sollten

Gedenkstättenbesuche als Gegenwartsarbeit

Wir fuhren damals nicht hin, um Geschichte zu konsumieren. Wir fuhren, um zu verstehen. Was ein Mensch ertragen kann. Was ein System anrichten kann. Was Erinnerung leisten muss. Flossenbürg ist kein Ort der Schuldzuweisung. Es ist ein Ort der Klarheit.
80 Jahre seit Bonhoeffers Ermordung. 80 Jahre seit der Befreiung der Konzentrationslager durch die Alliierten. Diese Zahlen sind keine runden Jubiläen für Gedenkreden. Sie sind Mahnung.
Ein Besuch in Flossenbürg ist kein historischer Rückblick. Es ist eine Auseinandersetzung mit aktuellen Fragen: Wie begegnen wir Autoritarismus heute? Wie schützen wir Menschenrechte? 2025 ist das Jahr des Erinnerns. Nicht aus Nostalgie, sondern weil Erinnerung Haltung bedeutet – und Haltung nicht vergeht.

Gedenken

Über die Erinnerung sollte kein Gras wachsen

Hoffnung

dass die Geschichte sich nicht wiederholt

Informationen zur Gedenkstätte Flossenbürg

Adresse: Gedenkstätte Flossenbürg, Gedenkstättenstraße 1, 92696 Flossenbürg
Öffnungszeiten: täglich 9 – 17 Uhr
Eintritt: frei

Ausstellungen:

Konzentrationslager Flossenbürg 1938–1945

(in der ehemaligen Wäscherei)

Die Ausstellung »Konzentrationslager Flossenbürg 1938–1945« dokumentiert und erzählt die Geschichte des Konzentrationslagers Flossenbürg und seiner Außenlager. Im Zentrum stehen dabei die Menschen, die aus ganz Europa in den Lagerkomplex Flossenbürg verschleppt wurden.

was bleibt. Nachwirkungen des Konzentrationslagers Flossenbürg

(in der ehemaligen Lagerküche)

Mit der Ausstellung »was bleibt« wurde den komplexen Folgen der nationalsozialistischen Konzentrationslager zum ersten Mal eine eigene Schau gewidmet. Die widersprüchlichen Nachwirkungen des Konzentrationslagers Flossenbürg werden dabei in die Zeitgeschichte vom Ende des Zweiten Weltkriegs bis heute eingebettet. So weist die Geschichte dieses Konzentrationslagers weit über Flossenbürg hinaus und steht stellvertretend für viele Orte. Die Ausstellung beschäftigt sich mit vier Leitthemen: dem Ort, der Erinnerung, den Überlebenden und den Tätern.

Aktuelle Wechselausstellungen

Website: www.gedenkstaette-flossenbuerg.de

Wer die Region rund um Flossenbürg erkunden möchte: Drei Tage in der Oberpfalz, zwischen Waldnaabtal, Zoigl und Granit.

Neueste Blogbeiträge:

• Interrail für Erwachsene: Die Freiheit liegt im Regionalzug
• Lüneburger Heide: Wissenswertes von A bis Z
• Schnucki, wo bist du? Zwei Tage wandern auf dem Heidschnuckenweg in der Nordheide
• Streetart in Nîmes: Große und kleine Bilder in Gambetta
• Friedenfels, das Naturerlebnisdorf

• E-Mail 
• teilen 
• teilen 
• merken 

Der Beitrag Flossenbürg und Bonhoeffer: Erinnerung als Auftrag erschien zuerst auf Freundin von Welt.

Wenn ich mit dem Rad – und meinem Zelt – in Dänemark unterwegs bin, liebe ich es, zwischendurch in Museen einzukehren. Sie sind wie Oasen der Zivilisation: Architektur, Kunst und ein Gefühl von Ruhe. Drinnen! Warm! Wunderbar. Es sind nicht nur Museen, sondern fast Freunde, die ich immer wieder besuche. Meine drei absoluten Lieblingsorte in Dänemark: das Louisiana Museum of Modern Art nördlich von Kopenhagen, das ARoS Kunstmuseum in Aarhus und das Kunsten Museum of Modern Art in Aalborg.

Kommt Ihr mit auf einen kleinen Kunst-Trip?

Eure Kirsten, Freundin von Welt

Dänemark: Das Land der kunstvollen Pausen – in Museen

Wo liegt was – Dänemark-Karte

Von Süd nach Nord: Das Louisiana in Humlebaek nördlich von Kopenhagen auf Seeland, das ARoS in Aarhus an der Ostküste von Jütland und das Kunsten in Aalborg in Nordjütland.

Louisiana Museum of Modern Art: Kunst trifft Küste

Wo? Humlebæk, 35 Kilometer nördlich von Kopenhagen

Das Louisiana ist für mich schon fast wie ein alter Freund, den ich immer wieder gern besuche. Allein die Lage: Direkt am Öresund, wo das Meer jedes Mal eine andere Stimmung zaubert. Die Architektur des Museums ist schlicht und doch unglaublich einladend. Verschiedene Pavillons schlängeln sich durch die Landschaft und vereinen Kunst mit Natur.

Die Museumsgebäude, entworfen von verschiedenen Architekten, sind miteinander verbunden und bilden eine fast kreisförmige Struktur. Sie umfassen das Haupthaus (eine alte Patriziervilla), moderne Anbauten und unterirdische Flügel. Fun Fact: Das Museum wurde nach den drei Ehefrauen des Vorbesitzers der Villa benannt – und ja, alle hießen Louise. Man fragt sich: Zufall oder ein sehr spezifischer Geschmack?

Schwerpunkte der Sammlung sind Europäischer Nouveau Réalisme (Yves Klein, Lucio Fontana), Amerikanische Pop Art (Andy Warhol, Roy Lichtenstein), Deutsche Kunst der 1980er Jahre (Anselm Kiefer, Georg Baselitz), Skulpturen des 20. Jahrhunderts und Video-Kunst seit 1990.
Immer wieder begeistert mich das Louisiana mit innovativer zeitgenössischer Kunst – die Ausstellungen von Ragnar Kjartansson und Marina Abramović waren genial.

Besonders liebe ich die Räume, in denen das Licht durch riesige Fenster auf die Kunst fällt – fast so, als wäre die Natur selbst Teil der Ausstellung. Und der Skulpturenpark! Hier mache ich es mir gerne mit einem mitgebrachten Picknick gemütlich.

Was das Louisiana für mich besonders macht, ist die Atmosphäre. Es gibt Museen, die beeindrucken, aber irgendwie distanziert bleiben. Hier fühle ich mich willkommen, als wäre ich zu Gast in einem riesigen, kunstvollen Wohnzimmer. Es ist ein Ort, an dem ich mich verlieren und wiederfinden kann.

Louisiana Museum of Modern Art

• Gl Strandvej 13, 3050 Humlebæk
• louisiana.dk
• Öffnungszeiten: Di–Fr 11–22 Uhr, Sa–So 11–18 Uhr, Mo geschlossen
• Highlights: Skulpturenpark direkt am Wasser, der Museumsshop, der zum „besten Museumsgeschäft der Welt“ gewählt wurde

Louisiana
Museum of Modern Art
Humlebaek bei Kopenhagen

ARoS Kunstmuseum: Regenbogen über Aarhus

Wo? Mitten in Aarhus, der zweitgrößten Stadt Dänemarks

Das ARoS zieht mich schon von weitem an. Nicht der schlichte Ziegelsteinblock, eines der größten Kunstmuseen Nordeuropas, sondern das, was darauf prangt: Ein begehbarer Regenbogen. Nachts beleuchtet und weithin sichtbar.

Drinnen die Architektur vom dänischen Architekturbüro Schmidt Hammer Lassen: sie ist eine symbolische Reise durch die „Göttliche Komödie“ auf zehn Stockwerken. Vom Keller, der die Hölle darstellt, bis zum Dach, wo Olafur Eliassons „Your Rainbow Panorama“ den Himmel repräsentiert.

Ah, dieser Regenbogen! Ein kreisförmiger Glasgang in allen Farben des Spektrums. In jeder Farbe scheint das Panorama von Aarhus ein anderes Gesicht zu zeigen. Es ist, als würde ich durch ein Instagram-Filter spazieren – in Echtzeit!

Die Ausstellungen selbst sind beeindruckend vielfältig. Von riesigen, hyperrealistischen Skulpturen wie Ron Muecks „Boy“ bis hin zu Installationen, die einen regelrecht verschlucken. Ich habe hier das Gefühl, dass Kunst mehr ist als das, was an der Wand hängt – sie wird hier lebendig, interaktiv, manchmal sogar verstörend. Und genau deshalb liebe ich diesen Ort. Spannend wird es 2025, wenn „The Dome“, der bisher ehrgeizigste Skyspace des Lichtkünstlers James Turrell, eröffnet wird.

ARoS Kunstmuseum

• Aros Allé 2, 8000 Aarhus
• aros.dk/de
• Öffnungszeiten: Di–Fr 10–21 Uhr, Sa–So 10–17 Uhr
• Highlights: Olafur Eliassons „Your Rainbow Panorama“, Ron Muecks „Boy“

Mehr zu Aarhus lest Ihr in meinem Blogbeitrag Ahh, Aarhus! Die acht besten Tipps für ein Wochenende in Aarhus

ARoS Kunstmuseum
Aarhus

Kunsten Museum of Modern Art: Architektur, die das Licht feiert

Wo? Aalborg, Nordjütland

Das Kunsten ist mein Ruhepol, wenn ich in Nordjütland unterwegs bin. Schon von außen fasziniert mich das Gebäude: ein schlichter, weißer Marmorbau. Errichtet zwischen 1968 und 1972 nach den Entwürfen des finnischen Architekten Alvar Aalto, seiner Frau Elissa Aalto und des dänischen Architekten Jean-Jacques Baruël. Es ist das einzige von Aalto entworfene Museumsgebäude außerhalb Finnlands.

Das Licht spielt hier die Hauptrolle – es fällt durch Oberlichter und riesige Fenster und verwandelt den Raum in ein Kunstwerk für sich. Alle Einrichtungsgegenstände und Materialien im Kunsten wurden mit dem Ziel ausgewählt, das Licht zu unterstützen. Es wird von den polierten Marmoroberflächen der Böden reflektiert. Auch die Lampen des Museums wurden von Aalto oder Baruël entworfen.

Im Inneren und im Garten begeistert mich die Sammlung mit moderner Kunst aus verschiedenen Epochen. Besonders spannend finde ich die Skulpturen und Installationen, die oft spielerisch wirken, ohne oberflächlich zu sein. Der ikonische „Water Pavilion“ im Skulpturenpark ist so ein Beispiel.

Das Besondere am Kunsten ist, wie sehr hier alles zusammenpasst. Die Kunst, die Architektur, das Licht. Hier spüre ich eine Ruhe, die ich sonst selten finde, und gleichzeitig diese leise Spannung, die mich dazu bringt, die Welt mit anderen Augen zu sehen.

Kunsten Museum of Modern Art

• Kong Christians Allé 50, 9000 Aalborg
• kunsten.dk
• Öffnungszeiten: Di–So 10–17 Uhr, Mo geschlossen
• Highlights: Architektur von Alvar Aalto, „Water Pavilion“

Aalborg ist auch voll von Streetart – lies dazu meinen Blogbeitrag Aalborg: Streetart – wo findet ihr die großen Wandgemälde

Kunsten
Museum of Modern Art
Aalborg

Dänemark: Mit Kunst im Kopf gegen den Wind

Dänemark ist für mich ein Land der Kontraste: rau und wild in der Natur, klar und ruhig in seinen Museen. Jedes dieser drei Häuser ist mehr als ein Ort, um Kunst anzusehen – es sind Orte, die in mir nachhallen. Wenn ich aus einem dieser Museen komme und wieder aufs Rad steige, fühle ich mich jedes Mal ein bisschen leichter, ein bisschen klüger, ein bisschen mehr bei mir selbst. Und ist das nicht genau das, was Kunst tun sollte?

Weiterlesen – neueste Blogbeiträge:

• Interrail für Erwachsene: Die Freiheit liegt im Regionalzug
• Lüneburger Heide: Wissenswertes von A bis Z
• Schnucki, wo bist du? Zwei Tage wandern auf dem Heidschnuckenweg in der Nordheide
• Streetart in Nîmes: Große und kleine Bilder in Gambetta
• Friedenfels, das Naturerlebnisdorf

• E-Mail 
• teilen 
• teilen 
• merken 

Der Beitrag Dänemark, du Kunststück! Tipps für 3 Museen, die ich liebe erschien zuerst auf Freundin von Welt.

die ikonische Silhouette ist berühmt: Das Opernhaus in Sydney feiert im Oktober 2023 seinen 50. Geburtstag. Herzlichen Glückwunsch! Weil der Bau kompliziert und viel teurer als geplant war, kam es zum Zwist. Der dänische Architekt Jørn Utzon verließ Australien im Streit. Das Utzon Center in seiner Heimatstadt Aalborg widmet seinem berühmtesten Bau eine Ausstellung: „Sydney Opera House – A beautiful Idea“.
Ich kann beides empfehlen: Einen Besuch in Sydney – besonders schön zum Lichterfestival „Vivid Sydney“ und eine Reise nach Aalborg. Wofür entscheidet Ihr Euch?

Eure Kirsten, Freundin von Welt

Opernhaus in Sydney
Australien

Utzon Center in Aalborg
Dänemark

Das Opernhaus in Sydney – eine Divenhafte Ikone

Es ist eine Ikone und eines der meistfotografierten Gebäude der Welt. Das Opernhaus liegt auf einer kleinen Landzunge in der Bucht von Sydney und wirkt wie eine riesige Skulptur, 184 Meter lang, 118 Meter breit 67 Meter hoch.
Der Däne Jørn Utzon (1918-2008) war relativ unbekannt, als er 1957 die Ausschreibung für den Bau des Opera House in Sydney gewann – für den Wettbewerb hatte er nur flüchtig hingeworfene Skizzen eingereicht.
Sein geschwungenes Gebäude war etwas Neues in einer Zeit, in der vor allem rechtwinklig gebaut wurde. Utzon lehnte sich mit dieser Bauidee gegen die Allmacht des Kubus auf. Organisches Bauen war das Zauberwort, dem Utzon Gehör gab, ähnlich wie Hans Scharoun mit der Zeltdacharchitektur der Berliner Philharmonie und Frank Lloyd Wright mit dem schneckenförmigen New Yorker Guggenheim-Museum.
Sensationell ist das Dach des Opernhausen, das aus zehn offenen Schalen besteht, die wie Segel oder Muscheln wirken. Aufgrund der komplexen Dachkonstruktion des Opernhauses musste der Entwurf des Gebäudes mehrfach umgeändert werden. Dafür gaben 44 Zeichner in 1.700 Plänen ihr Bestes.

Eröffnung ohne Architekt

Die Umsetzung ist dem Ingenieur Ove Nyquist Arup zu verdanken, dem es mit seinen Mitarbeitern gelang, die komplizierten bautechnischen Anforderungen des Opernhauses zu meistern.
Allein die Verkleidung des Bauwerks besteht aus mehr als 1.056.000 Keramikfliesen (27.230 Tonnen), die man extra aus Schweden einführen ließ.
Kein Wunder, dass der ursprünglich angesetzte Baupreis um das Fünfzehnfache überzogen wurde. Die Fertigstellung konnte nur mit Hilfe einer eigens dafür ins Leben gerufenen Lotterie realisiert werden.
Die stets steigenden Baukosten führten zur Sperrung der Gelder. Utzon konnte sein Team nicht mehr bezahlen. Daraufhin entschloss sich der Architekt im Jahr 1966 dazu, Australien zu verlassen – in der Erwartung, wieder zurückgebeten zu werden. Seine völlig überraschende Abreise war der Höhepunkt der in aller Öffentlichkeit ausgetragenen Auseinandersetzung.

Opernhaus in Sydney

Opernhaus in Sydney

Eine Gruppe junger australischer Architekten wurde mit der Fertigstellung der Innenräume beauftragt. Utzon war überzeugt, dass die getroffenen Kompromisse das Werk ruinieren würden, und bei der Eröffnung gaben ihm Kritiker und Künstler teilweise Recht

Das 100 Millionen (australische) Dollar Projekt wurde schließlich am 20.10.1973 von Königin Elisabeth II offiziell eröffnet. Der Architekt stand nicht auf der Gästeliste.
Die UNESCO setzte dieses einmalige Gebäude 2007 auf die Liste des Weltkulturerbes. Auch Dänemark sieht das Opernhaus heute als Bestandteil seines kulturellen Erbes an und hat es in Dänemarks Kulturkanon 2006 aufgenommen. Als ein Zeichen einer späten Wiedergutmachung wurde Jørn Utzon 1999 eingeladen, sich als Berater bei der Renovierung und Neuausstattung der Innenräume zu beteiligen.
Jørn Utzon starb 2008 im Alter von 90 Jahren, ohne sein Lebensprojekt jemals fertiggestellt betreten zu haben.

Ausstellung im Utzon-Center in Aalborg

Das letzte Werk des Architekten ist das nach ihm benannte „Utzon-Center“ in Aalborg. Mit seinem eigenwilligen Zeltdach schlägt es den Bogen von Utzons Faszination für außereuropäische Baukunst bis zur urdänischen maritimen Motivik.
Die Ausstellung „Sydney Opera House – A beautiful Idea“ im Utzon Center in Aalborg nimmt uns mit auf eine inspirierende und manchmal dramatische Reise in die Geschichte von Utzons Gebäude und die Visionen, die schnell die Aufmerksamkeit der Welt erregten. Die Ausstellung ist in erster Linie eine Hommage an die schöne Idee und den Wunsch, eine Welt zu schaffen, die, in Utzons eigenen Worten, „etwas mehr enthält als reine Funktion… das nennt man Poesie“.

Utzon Center
in Aalborg, Dänemark

Jørn Utzon
Der Architekt

Tipp für Sydney

Vivid Sydney 2024, 24. Mai bis 15. Juni 2024
vividsydney.com

Tipps für Aalborg:

Utzon Center, Ausstellung Sydney Opera House: A beautiful idea, 23. Oktober 2023 bis 12. Oktober 2028
utzoncenter.dk/de
 
Streetart in Aalborg, Blogbeitrag auf Freundin von Welt

„Asplund in Schweden und Aalto in Finnland verfügen über etwas, das über den reinen Funktionalismus hinausgeht. Sie zeigen manchmal etwas, das ich als geistigen Überbau bezeichnen würde. Man nennt es Poesie. Dieser Überbau sorgt dafür, dass jedes Haus genau das Leben im Haus widerspiegelt.“

Jørn Utzon

Ich mag es, an der Grenze des Möglichen zu sein.

Jørn Utzon

Neueste Blogbeiträge:

• Interrail für Erwachsene: Die Freiheit liegt im Regionalzug
• Lüneburger Heide: Wissenswertes von A bis Z
• Schnucki, wo bist du? Zwei Tage wandern auf dem Heidschnuckenweg in der Nordheide
• Streetart in Nîmes: Große und kleine Bilder in Gambetta
• Friedenfels, das Naturerlebnisdorf

• E-Mail 
• teilen 
• teilen 
• merken 

Der Beitrag Was Sydney und Aalborg verbindet: Das ikonische Opernhaus Sydney erschien zuerst auf Freundin von Welt.

---

„Prado bedeutet Wiese“

Wir lassen es langsam angehen. Guide Manuel erzählt: „Prado heißt so viel wie Wiese. Zuerst war da die Kirche, dann ein botanischer Garten, und dann eine Sternwarte. 1819 wurde das königliche Museum eröffnet. Das Museum am Prado. Das Museum besteht aus Granit und Backstein. Das Kloster des Hieronymus Orden steht daneben, es war das erste Gebäude auf der Wiese. Die Sammlung im Prado Museum zeigt den Geschmack der Könige: viele niederländische Meister und natürlich auch viel spanische Malerei.“

Prado: Kunst ist ein Dialog

---

Kunst ist ein Dialog der Künstler, sie inspirieren sich gegenseitig: Goya arbeitete als Hofmaler von Karl IV., er kam 1778 nach Madrid. Goya ist zunächst unbekannt, er arbeitet zeitweise als Maler für eine Teppichmanufaktur. Goya nimmt Details von Velázquez auf. Er übt in seinen Bildern auch ganz feine Kritik am Königshaus, die Königin zeigt er mit arrogantem Blick, der König sieht etwas stumpf aus. Goya liefert mit seinem Bild „Die nackte Maya“ die erste nackte Frau, die in Spanien in der Malerei akzeptiert wird. Nicht ganz allerdings, es gibt zwei Bilder, auf einen ist Maya bekleidet.

Hinab in die Finsternis

Wir begeben uns ein Stockwerk tiefer, kommen einen dunklen Raum mit Finsteren Bildern. The black paintings, schwarze Malerei, die Goya am Ende seines Lebens auf die Wände in seinem Haus gepinselt hat, bevor er Spanien verließ.
Die Entwicklung von Goya ist besonders. Er ist der erste Maler, der Krieg als Leiden sieht.

Eine Sammlung von mehr als 8600 Gemälden

Die Sammlung des Prados umfasst über 8600 Gemälde und 700 Skulpturen, gezeigt werden 2000-3000 Werke. Damit hat das Museum eine Stellung wie die Eremitage oder der Louvre. Wobei sich der Prado hauptsächlich auf Malerei konzentriert.
Und ich bin jetzt voll davon bis zum Rand und brauche dringend einen Sitzplatz und ein paar Tapas. (Hier geht es zu meinen Tapas-Tipps.)

Öffnungszeiten: Montag bis Samstag, 10:00 bis 20:00 Uhr. Sonn- und Feiertage: 10:00 bis 19:00 Uhr

Freier Eintritt von Montag bis Samstag zwischen 18:00 und 20:00 Uhr und an Sonn- und Feiertagen von 17:00 bis 19:00 Uhr.

Museo del Prado, museodelprado.es

„Kein Mensch kommt aus Madrid. Echte Madrilenen sind sehr selten.“

– Manuel, Guide

Offenlegung: Meine Recherchereise nach Madrid wurde von den RIU Hotels unterstützt.
Der Inhalt der Texte ist von der Einladung unbeeinflusst und spiegelt meine eigene Meinung wider. Für die Beiträge erhielt ich kein Honorar.

Weitere Blogbeiträge:

• Interrail für Erwachsene: Die Freiheit liegt im Regionalzug
• Lüneburger Heide: Wissenswertes von A bis Z
• Schnucki, wo bist du? Zwei Tage wandern auf dem Heidschnuckenweg in der Nordheide
• Streetart in Nîmes: Große und kleine Bilder in Gambetta
• Friedenfels, das Naturerlebnisdorf

• E-Mail 
• teilen 
• teilen 
• merken 

Der Beitrag Bilderrausch: Museo Nacional del Prado erschien zuerst auf Freundin von Welt.

erinnert Ihre Euch an die Anfänge des HipHop in Deutschland? Wie neu die Musik klang, wie seltsam es aussah, was der DJ da mit den Schallplatten machte? Wie wir vor dem Fernseher versuchten, mit Eisi Gulp Breakdance zu lernen? Und wie immer mehr bunte Schriftzüge an Hauswänden und auf S-Bahnen auftauchten? In Hamburg gibt es dazu eine Ausstellung im Museum für Hamburgische Geschichte: Eine Stadt wird bunt. Hamburg Graffiti History 1980-1999, bis zum 7. Januar 2024. Ich war bei der Kuratorenführung (immer donnerstags) und bin tief in die Vergangenheit der Stadt eingetaucht – und in meine eigene Jugend.

Seid Ihr bereit für eine kleine Zeitreise in die wilden 80er, noch vor der Digitalisierung?

Eure Kirsten, Freundin von Welt

Die Geschichte der Dosenkavaliere

Kuratorenführung durch die Ausstellung „Eine Stadt wird bunt“ mit Oliver „Davis“ Nebel

„Netzwerke hatten wir schon damals.“ Oliver „Davis“ Nebel – Künstler, freier Grafiker, Sprüher der frühen Stunde und einer der vier Kuratoren der Ausstellung „Eine Stadt wird bunt“ – zeigt auf den wandfüllenden Plan am Eingang. All die Punkte, an denen sich die Graffiti-Szene damals in Hamburg traf, sind dort eingezeichnet. Der Jungfernstieg, aber auch Tapeten Hesse in Langenhorn.

Die Sprüche, die in den 1980ern die Wände in Hamburg zierten, waren der Anfang. Aber da gibt es einen großen Unterschied zu Graffiti: „Wir schreiben unseren Namen“, so der Kurator.

Probleme? Ab in die Hafenstraße

Aber, wie gesagt: HipHop war mehr. Die soziale Komponente: Gab es Streit, wurde der in Battles geklärt.  So war das in den USA.

In Hamburg gab es einen Typen in der Hafenstraße, der kochte gutes Essen und zu dem konnte man gehen, wenn es Probleme gab: Sprüher Eric machte die selbstverwaltete Kneipe Ahoi von 1993 bis etwa 1996 zum wöchentlichen Treffpunkt für die Graffiti-Szene. Jeden Donnerstag sitzt man hier zusammen, hört Hip-Hop, trinkt Bier und zeichnet Skizzen. Das Ahoi wird zum zentralen Anlaufpunkt der wachsenden Szene.

Und Probleme gab es oft. Als „urban art“ galt Grafitti in den frühen 80ern noch lange nicht. Die Stadtoberen waren genervt, eine „Soko Graffiti“ wurde gegründet. Den Sprühern drohten hohe Geldstrafen. Gleichzeitig veränderte sich die Stadt.

„Es wurde viel gebaut, das waren alles Leinwände für uns“, erinnert sich Davis. „Jetzt hängt dort überall Werbung.“ Und dann fuhren da ja noch diese verlockenden Züge, mit denen die gesprühten Werke mobil wurden.

Ein Problem waren die Mittel, das Werkzeug. Sprühdosen waren teuer, die Farbauswahl mager und die Sprühköpfe ungeeignet. Da musste man kreativ werden. „Es gab da ein bestimmtes Ellen-Betrix-Parfum“, erinnert sich Davis. „Das hatte einen Cap, der eine schön saubere Linie machte.“ So etwas sprach sich herum. In den Drogerien fiel schnell auf, dass just bei diesen Parfumflaschen plötzlich die Sprühköpfe fehlten.

Tapeten-Hesse in Langenhorn entdeckte die Marktlücke, verkaufte Dosen mit den passenden Caps zu Sonderpreisen an Sprüher.

„Wichtig war, das Werk auf einem Foto zu haben.“ Auf einem analog geknipsten Bild. Schnell mit dem Film zu 1000 Töpfe, entwickeln lassen, hoffen, dass die Bilder was geworden sind, sonst sofort noch mal los.

OZ, eine Legende der Straßenkunst

In der Ausstellung wird auch Walter Josef Fischer alias OZ geehrt, diese Legende der Straßenkunst, „Großvater des Graffiti“. Er hat in Hamburg weit über 100.000 Zeichen hinterlassen. Smileys. Kringel. Kleine Wirbelstürme. „Ich will Vielfalt statt einfältig, grau und monoton. Wenn man nicht kontert, dann ist es nur noch grau. Ich mag halt lieber die Wände bunt anstatt wehrmachtsgrau. Das ist auch mein Antrieb,“ hat er gesagt. Je mehr Graffiti, desto schlechter komme die Werbung zur Geltung. Am 25. September 2014 wurde OZ auf den Gleisen in der Nähe des Hamburger Hauptbahnhofs von einem Zug erfasst und starb an seinen Verletzungen. Wer genau hinsieht, findet seine Werke immer noch in Hamburg. Jede der Spiralen (Zyklone, Zyklon B) übrigens steht für jeden im KZ gestorbenen Menschen. Hier gibt es einen Plan mit den Werken von OZ in Hamburg: map.city-of-oz.hamburg

„Wenn an der Ecke ein Smiley ist, freut sich sogar die Polizei oder ärgert sich, da ist schon wieder so einer.“

– Walter Josef Fischer alias OZ

„Der hat so viel gewogen wie ein VW Käfer. Und Batterien gefressen hat der!„

– Oliver „Davis“ Nebel, Kurator

Zwischen Powerhouse und Jugendzimmer

Der Originalschriftzug „Powerhouse“ erinnert an Hamburgs ersten HipHop -Club: Eine ehemalige Kiezgrößen-Muckibude in der Simin-von-Utrecht-Straße auf St. Pauli. Ich habe mal einen Sommer lang daneben gewohnt.

Oft war die Szene – überwiegend „junge Männer jeglicher Herkunft, meist zwischen 13 und 17 Jahre“, wie der Kurator sagt, jedoch draußen unterwegs. Und die Musik musste mit – per „Ghettoblaster“. „Der hat so viel gewogen wie ein VW Käfer“, erinnert sich Oliver Nebel. „Und Batterien gefressen hat der!“

Intimer Höhepunkt der Ausstellung ist ein nachgebautes – „fiktives“, wie der Kurator betont – Jugendzimmer eines 17jährigen Sprühers. Ganz fein ist hier der Übergang vom Kind zum jugendlichen Rebellen zu sehen: Im Regal stehen Zauberwürfel und Schlümpfe, auf dem schmalen Bett sitzen ein Plüsch Alf und zwei Monchichi – und hinter der Tür lagern die Sprühdosen.

„Mama, Mama, komm her, so etwas hast Du noch nicht gesehen“, ruft aufgeregt eine jugendliche Besucherin und zieht ihrer Mutter in das Zimmer. Ihr Blick trifft meinen, wir Frauen lächeln uns wissend an. Doch, so etwas haben wir schon mal gesehen. Damals. In echt.

Die App zur Ausstellung

Wo gesprüht wurde – und wo viele Graffitis heute noch zu sehen sind – darüber gibt eine App zur Ausstellung mit einem interaktiven Stadtplan Auskunft. Insgesamt lassen sich 55 Orte mit Augmented Reality (AR) erkunden, verfügbar sind Orginalfotos und Texte mit weiteren Infos zu den Hotspots.

Informationen:

EINE STADT WIRD BUNT. Hamburg Graffiti History 1980 – 1999

Eine Ausstellung im Museum für Hamburgische Geschichte, noch bis 31. Juli 2023 – verlängert bis 7. Januar 2024

Museum für Hamburgische Geschichte, Holstenwall 24, 20355 Hamburg

Eintritt: Erwachsene 5 €.

Mein Tipp: Kuratorenführungen jeden Donnerstag von 18 – 19 Uhr. Die Führungen sind im Eintrittspreis enthalten.

einestadtwirdbunt.de

• E-Mail 
• teilen 
• teilen 
• merken 

Der Beitrag Ausstellung „Eine Stadt wird bunt“: Graffiti-Geschichte in Hamburg erschien zuerst auf Freundin von Welt.

kennt Ihr das Ruppiner Seenland? Nein, nie davon gehört? Dann habt Ihr bislang viel verpasst: Mehr als 300 Seen, manche glasklar. Geheimnisvoll miteinander verbundene Wasserwege. Historische Städte wie Neuruppin und Rheinsberg. Schlösser! Natur! Weite! Und natürlich den Fontane-Radweg, auf dem ich im Sommer 2021 unterwegs war. Was ich alles erlebt habe, lest Ihr in meinem Reisetagebuch. Hier habe ich Euch die besten, schönsten und tollsten Tipps für Orte, Übernachtungen und Erlebnisse noch mal als Übersicht zusammengestellt.
Wartet noch bis zum Sommer, bis Badewetter ist – und dann nichts wie los ins Ruppiner Seenland!

Eure Kirsten, Freundin von Welt

Die schönsten Orte im Ruppiner Seenland

Neuruppin

Neuruppin, die Fontanestadt, nach einem großen Brand 1787 wieder aufgebaut und streng klassizistisch angelegt, mit sehr breiter Sichtachse und großen Plätzen. Gilt als „die preußischste aller preußischen Städte“. Fontane begegnet man hier überall: sein Denkmal, sein Geburtshaus, sein ehemaliges Gymnasium.

Molchow

Fontane fand den Namen zwar düster, aber der Ort ist schön. Molchow ist eins der seltenen Runddörfer in Brandenburg mit baumbestandenem Dorfplatz (mit einem winzigen gelben Fontane darauf), einem rätselhaftem Glockenturm (aber keine Kirche, natürlich gibt es dafür eine Erklärung, die steht auf der Infotafel vor Ort). Und einer Badestelle am Molchowsee. Was will man mehr?

Rheinsberg

Tucholsky war hat die Stadt sehr gefallen, er hat sie in „Bilderbuch für Verliebte“ verewigt. Er verarbeitete darin ein gemeinsames Wochenende mit seiner späteren Ehefrau Else Weil im August 1911. Sehenswert: das Schloss!
rheinsberg.de

Die besten Cafés und Snack-Tipps:

Polly’s Eisdiele in Neuruppin

Hier bekomme ich endlich das Birnenprodukt, dass mir in Ribbeck verweigert wurde (bzw. dem ich mich dort verweigerte.): Birnensorbet. Eis. Lecker Eis! Herr von Ribbeck hätte es bestimmt geliebt. Hinterm Tresen nicht Polly, sondern Anna. Sie betreibt die Eismanufaktur gemeinsam mit ihrem Mann, der Name ist einer Zusammensetzung ihrer Nachnamen. „Ich finde Eis spannender als Konditorei“, sagt Anna. „Da muss so viel dekoriert werden …“. Beim Eis geht die ganze Kreativität in den Geschmack. Richtig so! pollyseisdiele.de

Café Glasklar am Großen Stechlinsee

Mit Shop für regionale Produkte. Sehr guter New York Cheesecake!
cafeglasklar.de

Strandservice Bella Napoli

Pizza to go als als halben oder ganzen Meter. Nein, kein Quadratmeter. Aber ordentlich und, wie gewünscht, mit sehr viel Knoblauch. Direkt am Großen Stechlinsee.

Falafel-Garten in Zernikow

Lecker Kichererbsenbällchen aus einem mobilen Wagen im Privatgarten. Geheimtipp!
facebook.com/akiva.yehoshua

Übernachtungstipps

Die die schönsten Ferienwohnungen und der entspannteste Campingplatz

Braunsberger Höfe

Ferienwohnungen und Hofladen, braunsberger-hoefe.de

Natur-Campingplatz „Wilde Heimat“

So können Campingplätze also auch sein! Auf dem riesigen Gelände der „Wilden Heimat“ stehen ein paar Oldschool-Busse, eine Jurte, eine Feuer-Hütte und eine ganz entzückende, zusammengezimmerte „Sommerküche“. Mit Tisch und Bänken auf Rädern, die man auf den alten Schienen verschieben kann. wilde-heimat.de

Ansehen & erleben

Giraffe & Specht

Das Atelier des Holzkünstlers und Bildhauers Tony Torrilhon, tony-torrilhon.de

Biohof Kepos

Den Mangold bitte nur blattweise pflücken – daran halten wir uns doch gerne. Und das Geld kommt in die Kasse des Vertrauens. Obst und Gemüse zum Selbsternten direkt vom Acker – was gerade Saison hat. Ferienwohnungen gibt es auch. biohofkepos.de

Fontane-Therme in Neuruppin

Brandenburg ist stolz auf seine einzige staatlich anerkannte, zertifizierte Heilquelle. Ein großer Innenpool, Naturheilsole in zwei Außenpools, ein Schwebebecken. Der Höhepunkt: die schwimmende Sauna auf einem Steg, der weit in den See hineinragt. Die Fontane-Therme ist ein perfekter Wellness-Ort.

Tempelgarten in Neuruppin

„Hier schuf sich Kronprinz Friedrich, der spätere Friedrich der Große, außerhalb der Stadtmauer einen Ort für Geselligkeiten, zum Musizieren, für Gespräche im Freundeskreis und für den Anbau von Obst und Gemüse“, heißt es über den Tempelgarten. Im Sommer wird ein abwechslungsreiches Open-Air-Programm geboten, vom Konzert bis zum Kürbisfest.
tempelgarten.de

Gut Zernikow

Im Gutshaus findet sich eine Dauerausstellung zur Geschichte der Seidenproduktion: „Vom Maulbeerbaum zur Seide – Seidenbau in Brandenburg“, ein Projekt der Initiative Zernikow e.V.. Über den Traum von Seide und warum das grandios gescheitert ist, erzähle ich in einem eigenen Blogbeitrag. gut-zernikow.de

Schloss Meseberg

„Schloss Meseberg war ein kostbarer Besitz. Wie ein Zauberschloss liegt es auch heute noch da,“ schrieb Theodor Fontane. Inzwischen dient es als Gästehaus der Bundesregierung. Einmal im Jahr, am „Tag des offenen Schlosses“, kann es besichtigt werden. gransee.de

Brandenburgisches Haupt- und Landesgestüt

In Neustadt (Dosse) steht das „Sanssouci der Pferde“: das Brandenburgische Haupt- und Landesgestüt. Gegründet im Jahre 1788, zählt es zu den ältesten staatlichen Gestüten in der Bundesrepublik Deutschland. Das schlossähnliche Landesstallmeisterhaus, eine Perle preußischer Baukunst, beherbergt ein kleines Museum, in dem wir mehr über die über 230jährige Geschichte der Anlage und ihrer vierbeinigen Stars erfahren.
neustaedter-gestuete.de

Der Fontane-Radweg: FONTANE.RAD

2019 feierte Brandenburg den 200. Geburtstag des Autors – und schuf die Route FONTANE.RAD. Die Strecke führt durch das Havelland und das Ruppiner Seenland an die Orte, die Theodor Fontane als Vorlage für seine „Wanderungen durch die Mark Brandenburg“ und andere Werke dienten, aber auch zu Stationen seiner Lebensgeschichte. Etwa 300 Kilometer ist die Strecke lang, Informationstafeln an rund 60 Fontane-Orten geben Auskunft über Geschichte und Geschichten. Bezaubernd sind die kommentierenden Zitate von Emilie Fontane, seiner Ehefrau, auf den Tafeln.Es gibt acht Etappen, sieben Tagestouren und zwei Variante. Ich brauchte ein bisschen, um das Prinzip zu verstehen (ein intensiver Blick auf die Karte hilft da ungemein), aber dadurch lässt sich die Route abwechslungsreich und individuell zusammenstellen.
Informationen zur Route auf fontanerad.de

Tourguide / Karte herunterladen – der wichtigste Link:
ruppiner-seenland.de/shop/karten-broschueren

Mehr über das Ruppiner Seenland auf
ruppiner-seenland.de

Weitere Blogbeiträge:

• Interrail für Erwachsene: Die Freiheit liegt im Regionalzug
• Lüneburger Heide: Wissenswertes von A bis Z
• Schnucki, wo bist du? Zwei Tage wandern auf dem Heidschnuckenweg in der Nordheide
• Streetart in Nîmes: Große und kleine Bilder in Gambetta
• Friedenfels, das Naturerlebnisdorf

• E-Mail 
• teilen 
• teilen 
• merken 

Der Beitrag Reisetipps für das Ruppiner Seenland erschien zuerst auf Freundin von Welt.