Kultur Archive - Freundin von Welt

Bilderrausch: Museo Nacional del Prado

Kirsten Rick — Sun, 26 Feb 2023 18:54:53 +0000

Kunstflash im Prado

Liebe Freundinnen von Welt,

das Museo Nacional del Prado ist die unbestrittene Perle an der Madrider Kunstmeile. Und: Nein, Ihr könnt nicht alles sehen. Selbst eine Auswahl braucht Zeit, Aufmerksamkeit, Konzentration. Die Wimmelbilder von Hieronymus Bosch, Dürer, Tintoretto, die langen Gestalten von El Greco und so viel mehr. Herausragend – und besonders finster: Goyas „schwarze Malerei“.

Eure Kirsten, Freundin von Welt

„Prado bedeutet Wiese“

Wir lassen es langsam angehen. Guide Manuel erzählt: „Prado heißt so viel wie Wiese. Zuerst war da die Kirche, dann ein botanischer Garten, und dann eine Sternwarte. 1819 wurde das königliche Museum eröffnet. Das Museum am Prado. Das Museum besteht aus Granit und Backstein. Das Kloster des Hieronymus Orden steht daneben, es war das erste Gebäude auf der Wiese. Die Sammlung im Prado Museum zeigt den Geschmack der Könige: viele niederländische Meister und natürlich auch viel spanische Malerei.“

Die fantastische Welt des Hieronymus Bosch

Wir gehen hinein, durch eine strenge Sicherheitskontrolle. Manuel erläutert die verschiedenen Ebenen des Museums. In einem einen Saal hängen fünf Werke von Hieronymus Bosch – die größte Hieronymus Bosch Sammlung der Welt. Wir bleiben vor allem Triptychon stehen, einem bunten Wimmelbild voller Allegorien, es geht um Sünde und den Kampf zwischen Gut und Böse. Einhörner trinken aus einem Fluss, Menschen tragen eine große Muschel davon, aus der noch ein Bein ragt. Ein Bild an dem man sich gar nicht satt sehen kann. Eine fantastische, wunderliche Welt.

Fotografieren darf ich im Prado leider nicht.

Dürer, Tizian, El Greco, Velazques und all die anderen im Prado

Vier Werke von Dürer hängen im nächsten Saal. In der Renaissance interessierten sich die Maler für die Darstellung des Menschen, sie entdeckten die Griechen wieder, sie beschäftigt sich mit den Proportionen. Die Malerei beginnt bei der Nase, nimmt den Kopf als Maß, sechsmal der Kopf ist das Maß des Körpers, insgesamt ist der Mensch also sieben Köpfe hoch.
Dürer hat sein Selbstbildnis nach der italienischen Mode gemalt, es zeigt ihn im Sitzen an einem offenen Fenster, durch das man in die Weite der Landschaft sieht.
In einer großen Galerie sehen wir die italienischen Meister, die Venezianer des 16. Jahrhunderts. Kaiser Karl V. in der Schlacht auf einem Pferd von Tizian. Die Fußwaschung Christi von Tintoretto, eine Sensation von Tiefe, wie Manuel sagt.
Weiter zu El Greco, „dem Griechen“, er kommt von Kreta, geht nach Venedig, arbeitet mit Tizian, trifft einen Priester, der ihn überredet, nach Spanien zu kommen. An seinen Bildern fällt auf, dass die Figuren immer länger werden. Lange Gestalten charakterisieren Greco.
Neben den Portraits, die Greco gemalt hat, hängt eines von Picasso. Es ist ganz anders, kubistisch, aber man erkennt die Parallelen: Halbformat, schlichter Hintergrund.
Wir kommen zu den Werken von Velasquez, den bekanntesten spanischen Meister. Er lebte im 17. Jahrhundert, bis 1660, und hat immer im Auftrag des Königs gearbeitet, das heißt, er hatte keinerlei Existenzsorgen. Wir stehen vor dem Werk The Feast of Bacchus. „Eine besoffene Geschichte“, sagt Madeleine, die Kollegin aus Wien. Velazquez war auf Studienreisen in Italien und malte dort ganz moderne Landschaften.
In einem großen Saal hängt sein bekanntestes Bild: Las Meninas. Hier fühlt man sich selbst als Teil des Bildes, das aus der Perspektive des Königs und der Königin gemalt ist, die aber nur im Spiegel zu sehen sind.

Prado: Kunst ist ein Dialog

Die Schlange vor dem Eingang. Drinnen darf man nicht fotografieren.

Kunst ist ein Dialog der Künstler, sie inspirieren sich gegenseitig: Goya arbeitete als Hofmaler von Karl IV., er kam 1778 nach Madrid. Goya ist zunächst unbekannt, er arbeitet zeitweise als Maler für eine Teppichmanufaktur. Goya nimmt Details von Velázquez auf. Er übt in seinen Bildern auch ganz feine Kritik am Königshaus, die Königin zeigt er mit arrogantem Blick, der König sieht etwas stumpf aus. Goya liefert mit seinem Bild „Die nackte Maya“ die erste nackte Frau, die in Spanien in der Malerei akzeptiert wird. Nicht ganz allerdings, es gibt zwei Bilder, auf einen ist Maya bekleidet.

Hinab in die Finsternis

Wir begeben uns ein Stockwerk tiefer, kommen einen dunklen Raum mit Finsteren Bildern. The black paintings, schwarze Malerei, die Goya am Ende seines Lebens auf die Wände in seinem Haus gepinselt hat, bevor er Spanien verließ.
Die Entwicklung von Goya ist besonders. Er ist der erste Maler, der Krieg als Leiden sieht.

Eine Sammlung von mehr als 8600 Gemälden

Die Sammlung des Prados umfasst über 8600 Gemälde und 700 Skulpturen, gezeigt werden 2000-3000 Werke. Damit hat das Museum eine Stellung wie die Eremitage oder der Louvre. Wobei sich der Prado hauptsächlich auf Malerei konzentriert.
Und ich bin jetzt voll davon bis zum Rand und brauche dringend einen Sitzplatz und ein paar Tapas. (Hier geht es zu meinen Tapas-Tipps.)

Öffnungszeiten: Montag bis Samstag, 10:00 bis 20:00 Uhr. Sonn- und Feiertage: 10:00 bis 19:00 Uhr

Freier Eintritt von Montag bis Samstag zwischen 18:00 und 20:00 Uhr und an Sonn- und Feiertagen von 17:00 bis 19:00 Uhr.

Museo del Prado, museodelprado.es

„Kein Mensch kommt aus Madrid. Echte Madrilenen sind sehr selten.“

– Manuel, Guide

Offenlegung: Meine Recherchereise nach Madrid wurde von den RIU Hotels unterstützt.
Der Inhalt der Texte ist von der Einladung unbeeinflusst und spiegelt meine eigene Meinung wider. Für die Beiträge erhielt ich kein Honorar.

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Ausstellung „Eine Stadt wird bunt“: Graffiti-Geschichte in Hamburg

Kirsten Rick — Thu, 23 Feb 2023 17:51:49 +0000

Liebe Freundinnen von Welt,

erinnert Ihre Euch an die Anfänge des HipHop in Deutschland? Wie neu die Musik klang, wie seltsam es aussah, was der DJ da mit den Schallplatten machte? Wie wir vor dem Fernseher versuchten, mit Eisi Gulp Breakdance zu lernen? Und wie immer mehr bunte Schriftzüge an Hauswänden und auf S-Bahnen auftauchten? In Hamburg gibt es dazu eine Ausstellung im Museum für Hamburgische Geschichte: Eine Stadt wird bunt. Hamburg Graffiti History 1980-1999, bis zum 7. Januar 2024. Ich war bei der Kuratorenführung (immer donnerstags) und bin tief in die Vergangenheit der Stadt eingetaucht – und in meine eigene Jugend.

Seid Ihr bereit für eine kleine Zeitreise in die wilden 80er, noch vor der Digitalisierung?

Eure Kirsten, Freundin von Welt

Die Geschichte der Dosenkavaliere

Kuratorenführung durch die Ausstellung „Eine Stadt wird bunt“ mit Oliver „Davis“ Nebel

„Netzwerke hatten wir schon damals.“ Oliver „Davis“ Nebel – Künstler, freier Grafiker, Sprüher der frühen Stunde und einer der vier Kuratoren der Ausstellung „Eine Stadt wird bunt“ – zeigt auf den wandfüllenden Plan am Eingang. All die Punkte, an denen sich die Graffiti-Szene damals in Hamburg traf, sind dort eingezeichnet. Der Jungfernstieg, aber auch Tapeten Hesse in Langenhorn.

Die Sprüche, die in den 1980ern die Wände in Hamburg zierten, waren der Anfang. Aber da gibt es einen großen Unterschied zu Graffiti: „Wir schreiben unseren Namen“, so der Kurator.

Probleme? Ab in die Hafenstraße

Aber, wie gesagt: HipHop war mehr. Die soziale Komponente: Gab es Streit, wurde der in Battles geklärt. So war das in den USA.

In Hamburg gab es einen Typen in der Hafenstraße, der kochte gutes Essen und zu dem konnte man gehen, wenn es Probleme gab: Sprüher Eric machte die selbstverwaltete Kneipe Ahoi von 1993 bis etwa 1996 zum wöchentlichen Treffpunkt für die Graffiti-Szene. Jeden Donnerstag sitzt man hier zusammen, hört Hip-Hop, trinkt Bier und zeichnet Skizzen. Das Ahoi wird zum zentralen Anlaufpunkt der wachsenden Szene.

Und Probleme gab es oft. Als „urban art“ galt Grafitti in den frühen 80ern noch lange nicht. Die Stadtoberen waren genervt, eine „Soko Graffiti“ wurde gegründet. Den Sprühern drohten hohe Geldstrafen. Gleichzeitig veränderte sich die Stadt.

Als Hamburg noch wie die Bronx aussah. Fast.

Sonderteil im STERN: „Dosenkavaliere“

1000 Töpfe – damals noch in der „Roten Flora“ (Foto in der Ausstellung von Milan Horacek)

„Es wurde viel gebaut, das waren alles Leinwände für uns“, erinnert sich Davis. „Jetzt hängt dort überall Werbung.“ Und dann fuhren da ja noch diese verlockenden Züge, mit denen die gesprühten Werke mobil wurden.

Ein Problem waren die Mittel, das Werkzeug. Sprühdosen waren teuer, die Farbauswahl mager und die Sprühköpfe ungeeignet. Da musste man kreativ werden. „Es gab da ein bestimmtes Ellen-Betrix-Parfum“, erinnert sich Davis. „Das hatte einen Cap, der eine schön saubere Linie machte.“ So etwas sprach sich herum. In den Drogerien fiel schnell auf, dass just bei diesen Parfumflaschen plötzlich die Sprühköpfe fehlten.

Tapeten-Hesse in Langenhorn entdeckte die Marktlücke, verkaufte Dosen mit den passenden Caps zu Sonderpreisen an Sprüher.

„Wichtig war, das Werk auf einem Foto zu haben.“ Auf einem analog geknipsten Bild. Schnell mit dem Film zu 1000 Töpfe, entwickeln lassen, hoffen, dass die Bilder was geworden sind, sonst sofort noch mal los.

OZ, eine Legende der Straßenkunst

In der Ausstellung wird auch Walter Josef Fischer alias OZ geehrt, diese Legende der Straßenkunst, „Großvater des Graffiti“. Er hat in Hamburg weit über 100.000 Zeichen hinterlassen. Smileys. Kringel. Kleine Wirbelstürme. „Ich will Vielfalt statt einfältig, grau und monoton. Wenn man nicht kontert, dann ist es nur noch grau. Ich mag halt lieber die Wände bunt anstatt wehrmachtsgrau. Das ist auch mein Antrieb,“ hat er gesagt. Je mehr Graffiti, desto schlechter komme die Werbung zur Geltung. Am 25. September 2014 wurde OZ auf den Gleisen in der Nähe des Hamburger Hauptbahnhofs von einem Zug erfasst und starb an seinen Verletzungen. Wer genau hinsieht, findet seine Werke immer noch in Hamburg. Jede der Spiralen (Zyklone, Zyklon B) übrigens steht für jeden im KZ gestorbenen Menschen. Hier gibt es einen Plan mit den Werken von OZ in Hamburg: map.city-of-oz.hamburg

„Wenn an der Ecke ein Smiley ist, freut sich sogar die Polizei oder ärgert sich, da ist schon wieder so einer.“

– Walter Josef Fischer alias OZ

„Der hat so viel gewogen wie ein VW Käfer. Und Batterien gefressen hat der!„

– Oliver „Davis“ Nebel, Kurator

Zwischen Powerhouse und Jugendzimmer

Der Originalschriftzug „Powerhouse“ erinnert an Hamburgs ersten HipHop -Club: Eine ehemalige Kiezgrößen-Muckibude in der Simin-von-Utrecht-Straße auf St. Pauli. Ich habe mal einen Sommer lang daneben gewohnt.

Oft war die Szene – überwiegend „junge Männer jeglicher Herkunft, meist zwischen 13 und 17 Jahre“, wie der Kurator sagt, jedoch draußen unterwegs. Und die Musik musste mit – per „Ghettoblaster“. „Der hat so viel gewogen wie ein VW Käfer“, erinnert sich Oliver Nebel. „Und Batterien gefressen hat der!“

Intimer Höhepunkt der Ausstellung ist ein nachgebautes – „fiktives“, wie der Kurator betont – Jugendzimmer eines 17jährigen Sprühers. Ganz fein ist hier der Übergang vom Kind zum jugendlichen Rebellen zu sehen: Im Regal stehen Zauberwürfel und Schlümpfe, auf dem schmalen Bett sitzen ein Plüsch Alf und zwei Monchichi – und hinter der Tür lagern die Sprühdosen.

„Mama, Mama, komm her, so etwas hast Du noch nicht gesehen“, ruft aufgeregt eine jugendliche Besucherin und zieht ihrer Mutter in das Zimmer. Ihr Blick trifft meinen, wir Frauen lächeln uns wissend an. Doch, so etwas haben wir schon mal gesehen. Damals. In echt.

Die App zur Ausstellung

Wo gesprüht wurde – und wo viele Graffitis heute noch zu sehen sind – darüber gibt eine App zur Ausstellung mit einem interaktiven Stadtplan Auskunft. Insgesamt lassen sich 55 Orte mit Augmented Reality (AR) erkunden, verfügbar sind Orginalfotos und Texte mit weiteren Infos zu den Hotspots.

Informationen:

EINE STADT WIRD BUNT. Hamburg Graffiti History 1980 – 1999

Eine Ausstellung im Museum für Hamburgische Geschichte, noch bis 31. Juli 2023 – verlängert bis 7. Januar 2024

Museum für Hamburgische Geschichte, Holstenwall 24, 20355 Hamburg

Eintritt: Erwachsene 5 €.

Mein Tipp: Kuratorenführungen jeden Donnerstag von 18 – 19 Uhr. Die Führungen sind im Eintrittspreis enthalten.

einestadtwirdbunt.de

Flyer zur Ausstellung

Modisches Zubehör musste sein

Ein frühes Plagiat: Oma konnte Logos sticken

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